"Paisaje o país es el nombre que la historiografía del arte de al género pictórico que representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las condiciones atmosféricas pueden ser un elemento importante de la composición. Además del paisaje natural, también se trata, como un género específico, el paisaje urbano. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma de forma realista algún paisaje real, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños (paisaje onírico, muy usado en elsurrealismo).

En la historia de la pintura, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, desde su aparición como fondo de escenas de otros géneros (como la pintura de historia o elretrato) hasta constituirse como género autónomo en la pintura holandesa del siglo XVII. También es un motivo esencial para la pintura japonesa.

Dentro de la jerarquía de los géneros, el paisaje ocupaba un lugar muy bajo, superior sólo al bodegón."

Galería de imágenes:  

https://picasaweb.google.com/fjgarciadominguez/ElPaisajeEnLaPintura

Dibujos, cuadros, frescos, grabados y otros medios gráficos en lo que aparecen elementos relacionados con la música, a lo largo de la historia de la pintura.

https://picasaweb.google.com/fjgarciadominguez/LaMusicaEnLaPintura#

Como veréis son muy distintas entre sí, pero las tres hacen cosas muy bonitas -de esas que muchos calificarían de femeninas.y no soy yo muy de separar por géneros, pero quizás sí lo sean-. Lo que tengo claro es que tienen una gran sensibilidad y una envidiable capacidad para convertir elementos tan sencillos como tinta y papel en arte.

La primera es Sanna Annuka, una ilustradora y grabadora anglo-finlandesa que ya ha conseguido fama y fortuna. Por lo visto su pistoletazo de salida fue ilustrando la portada y libreto del album Under the sea del grupo pop británico Keane y de ahí hacia arriba. Ahora trabaja en su propia línea de productos de diseño que incluye decoración y textil. Al verlo seguro que os suena el estilo, muy actual (muy Ikea) pero bebiendo de la tradición noreuropea.

La segunda es la catalana Meritxell Montiel. Ya hace tiempo que conocí su trabajo y ahora he visto que también está adquiriendo fama. No es de extrañar, porque hace ese tipo de dibujos entre naif y siniestro que tanto gustan ahora (no lo critico, me incluyo entre los fans aunque ya esté algo manido). Tanto es así que ya la están plagiando -con mucho menos talento, la verdad- como se puede ver en las quejas de su blog.

Para terminar, la británica Andrea Joseph. Trabaja con materiales tan cotidianos como los lápices de colores o los bolígrafos bic. Su obra es en gran parte un diario gráfico en el que se mezclan sus impresiones de forma plástica y literaria. Su estilo realista es muy personal, muy limpio, lleno de imágenes cotidianas y simbólicas a la vez. Transmite sinceridad, reflexión, calma, pureza...

Las tres tienen web o blog con su obra comentada (dos en inglés, claro, pero los dibujos no necesitan explicación). Os dejo los links y me voy, que no sé por qué me han entrado muchas ganas de dibujar...

www.sanna-annuka.com

www.lalineapeluda.com

www.andreajoseph24.blogspot.com

http://fjgarcia.orgfree.com/testpintura/conocimientos%20de%20pintura.htm

Se están vendiendo muchos cuadros de los no premiados. Enhorabuena Alpartir.

Para ver los premios: http://club.telepolis.com/fjgarciado/premiosconcurso.htm

http://picasaweb.google.es/fjgarciadominguez/ExposicionAlumnosDeLaEscuelaDePinturaDeLaAlmunia#

La colección está en:

http://picasaweb.google.es/fjgarciadominguez/ElVinoEnLaPintura#

Os dejo esta información que se lee cuando entras en la página:

100x81 ES UN SITIO GRATUITO PARA LOS AMANTES DEL ARTE, MEDIANTE EL CUAL SUS MIEMBROS DISPONDRAN DE SU PAGINA PERSONAL DONDE PONDRAN DIFUNDIR SU OBRA, INFORMAR DE SUS ACTIVIDADES , ASI COMO ESTAR INFORMADO DE EVENTOS EXPOSICIONES,,ETC. Y PODER CONVERSAR E INTERCAMBIAR OPINIONES CON OTROS MIEMBROS...

Enlace a la página

http://100x81.ning.com/

Estas fotografías se han editado como videos en los que las imágenes se suceden como rapidísimos planos de forma que varios años de vida quedan condensados en unos minutos. En ellos la imagen fotográfica deja de ser inmóvil, queda animada por los pequeños cambios, imperceptibles a tiempo real, que el paso del tiempo opera en los rostros.

Todos estos artistas han sido reconocidos y premiados y, mediante su difusión vía internet, especialmente en YouTube, han alcanzado tal popularidad que incluso Los Simpson han realizado su propia versión con Homer como protagonista.

Lo que en principio pudo parecer simplemente una idea ingeniosa es para muchos una interesante y rica obra artística que reflexiona sobre el propio concepto de imagen, el interés que el ser humano siempre ha tenido por el paso del tiempo, por su propia identidad, su decadencia y su caducidad y, en consecuencia, su deseo de permanecer, trascender…

El investigador Luis Vives-Ferrándiz, de la Universidad de Valencia, publicó en la revista cultural IMAGO –desgraciadamente no se publica on-line- un interesante artículo sobre este tipo de proyectos, analizando sus características artísticas y retóricas. Para Vives-Ferrándiz estas obras se insertan en la tradición cultural al enlazarse con las imágenes que, desde la antigüedad, el hombre ha creado para representar las etapas de la vida o las edades del hombre, resumidas en unos cuantos instantes clave: nacimiento, infancia, juventud, madurez, vejez, muerte.  Nos recuerda también que, aunque la tradición perciba el concepto imagen como mímesis o representación de la realidad, en su origen fue más bien una huella, un instante “congelado” que permanecerá cuando la realidad que lo creó ya haya desaparecido: la propia palabra imagen proviene del latín imago, que en la cultura romana era una mascarilla de cera que se hacía a los difuntos para que su imagen perdurase. En este sentido considera que los daily photo proyects no estarán terminados hasta que se realice la última fotografía, la de la muerte, momento en que los significados se completen y formen una verdadera alegoría de la vida.

El autor también compara estas obras con otras similares a lo largo de la historia del arte, destacando entre ellas la completa serie de autorretratos que Rembrandt realizó a lo largo de su vida -unos noventa entre pinturas, dibujos y grabados- u otras obras contemporáneas que enlazan con ellos tanto formalmente como conceptualmente, como son las fotografías “dobles” de la artista donostiarra Esther Ferrer (yuxtaponiendo dos medios rostros pertenecientes a épocas diferentes) o los Long Portraits (Retratos largos: retratos en video de unos minutos de duración) de Clayton Cubitt. Y, en el ámbito más amplio de la cultura popular –no por ello con menos valor artístico- nombra dos referencias a estos temas: la película Smoke, en la que el protagonista realiza desde su tienda una fotografía diaria de la misma esquina de Manhattan y aquel anuncio de la videoconsola XBOX en el que, en unos pocos minutos, un niño nace, crece, envejece y cae literalmente en su tumba, bajo el slogan “Life is short. Play more” (La vida es corta. Juega más), un gran ejemplo de cómo hasta nuestras preocupaciones más íntimas y eternas son susceptibles de ser tratadas con sentido del humor.

Ahora nos queda reflexionar a los demás…

Para ver de qué hablo:

Animación en video de The adaptation to my generation: A daily photo proyect, de Jonathan Keller:  www.youtube.com/watch?v=Vc_PU3D3QNE

Animación en video de Everyday, de Noah Kalina: www.youtube.com/watch?v=6B26asyGKDo

Animación en video de las fotografías de Arno Klein a su hija Elora: www.youtube.com/watch?v=SkYXiYZVpMc&feature=related

Un fragmento del documental Rembrandt: Schilder van des mens, de 1957, en el que podemos ver una serie de autorretratos de Rembrandt como si fueran un daily photo proyect: www.youtube.com/watch?v=RwLE72M0cxI

Anuncio Life is short. Play more para XBOX: www.youtube.com/watch?v=uu8456pVSLI

El motivo de este artículo es hablar un poco y mostrar algunas obras de pintura haitiana que nace en los años 40 del siglo XX, con la llegada a la isla de un un norteamericano, Witt Peters, que daba un primer impulso a la pintura "ingenua", al crear el Centro de Arte Haitiano, en Portau-Prince. Otro impulso importante tuvo lugar con la visita de André Breton a la isla, un año después que el norteamericano, y el encuentro del arte isleño con el surrealismo de Wifredo Lam de origen cubano, que será apoyado en París por Picasso y que obtendrá rápidamente una fama internacional.. 

Pero nada de esto hubiera sido posible sin una inspiración artística popular que se expresaba sus preocupaciones y valores a través de los objetos cotidianos, de los anuncios, de las fachadas, de los rótulos, anuncios, los camiones públicos...en los que pintaban escenas de "naturaleza", imágenes del vudú, frases, etc. 

Fruto de ese contacto entre el arte popular y el arte occidental es el surgimiento de innumerables artistas haitianos que combinan esa "ingenuidad" inicial  con movimientos como el impresionismo o el surrealismo, pero siempre con sus raices bien afirmadas.

Enlaces interesantes:

Lo primero un artículo de lectura muy recomendable: "La magia del arte haitiano" por Nadége Dutardre publicado por el ITAM.

http://www.haitianpaintings.com/hp.asp

http://www.arthaiti.com/

http://www.naif-haitiano.com/

http://www.artistas.artenaif.com/CatalogoHaitiTapa.htm

También son motivos de buenas películas algunos temas relacionados con la pintura, como la bohemia, relación artista modelo, mundo de la pintura, etc.

¿Qué relación tiene la película que abre este artículo con la pintura?

En esta galería se pueden ver los carteles de todas las películas que he encontrado, en las que se relaciona el cine con la pintura. Al principio están los que tienen una relación más directa con el tema, ordenados cronologicamente; al final hay películas que por una u otra razón también podrían estar aquí:

http://picasaweb.google.es/fjgarciadominguez/CinePintura#

Para profundizar más sobre el tema se puede navegar por estos enlaces:

. Página excelente y completa sobre la pintura y el cine:

http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/pintura_cine.htm

. Discurso de José Luís Borau que pronunció en su entrada a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y respuesta, al mismo, de Luís García Berlanga.:

http://descargas.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/01316197588460853424802/025244.pdf?incr=1

Se pueden buscar las obras por pintores como Pedro Berruguete con el "Milagro de San Cosme y San Damián", Gustave Courbert con su famosa "El origen del mundo", de David, Goya, Picasso, Frida Kahlo, etc. También se pueden buscar por temas como "la visita al médico", "enanos y otros..., mal llamados, monstruos de la naturaleza", "convalecientes", etc.

Preguntas como éstas surgen al contemplar muchas de esas obras:

¿Cómo trasplantaron San Cosme y San Damián una pierna de un negro a un blanco?. ¿Por qué "El origen del mundo" de Courbert pintado en 1866 no se expuso en un museo (The Brooklyn Museum of Art)   hasta 1988?. ¿Qué no haría Picasso, de mayor, si con 16 años fue capaz de pintar "Ciencia y caridad"?. ¿Por qué se baja la líbido contemplando el retrato de Magdalena Ventura de los Abruzos, de José Ribera?...

Si tienes curiosidad entra en este enlace:

http://www.fisterra.com/human/3arte/pintura.asp

Paseo por su galería

Programa

Acto homenaje y exposición

http://picasaweb.google.es/fjgarciadominguez/VConcursoDePinturaRapidaDeValdejalonRicla#

Esta es la presentación del blog

"En la búsqueda efectuada en bibliotecas digitales de todo el mundo y en webs especializadas, se consiguen en muchas ocasiones libros e imágenes muy interesantes, y que quedan relegadas al olvido para la mayoría, bien por no conocer la manera de acceder a ellas o lo más frecuente porque ni siquiera se conoce su existencia.

Pretendo al respecto mostrar aquí algunas de esas obras e imágenes y remitir al lector a su fuente original para que caso de interesarle el tema, pueda ampliar sus conocimientos.

Todas las sugerencias y críticas constructivas serán bienvenidas, al igual que sus comentarios.

Saludos"

http://www.odisea2008.com/

http://www.flickr.com/photos/fabiolagil

La intuición es el modo de conocimiento inmediato y, según parece, se opone al razonamiento. El o la artista lo emplea en el plano mas sensible y psicológico en detrimento de su yo mas racional y metafísico. Es decir, si con la lógica se demuestra, con la intuición se inventa. Por ello el artista es mas inventor que otra cosa. Inventor intuitivo de sensaciones, formas y texturas como conceptos artísticos que se crean por el autor, después de ser tamizados en el filtro de sus experiencias, de su inimitable vida, de su mas profunda e inevitable vulnerabilidad artística y personal. Por que cada artista es un espíritu que se agita desde la inquietud, que, como diría Bergson es siempre positiva, pues impulsa a los sujetos a actuar lejos de la indiferencia y la pasividad.

Es la primera impresión que me causa la obra exuberante y volumétricamente atrevida de Vanesa Roncal. Esta licenciada en Bellas Artes, nacida y criada en Epila, tuvo muy claro desde niña que lo suyo, inexorablemente, debía de ser el arte. Después de realizar el bachiller en Zaragoza, la inquieta y joven artista se presentó en Cuenca, ciudad tocada con el influjo de lo artístico, para hacer la carrera y posteriormente, como no, dar clases como profesora de dibujo en la localidad de Illueca.

En su particular visión el "color es mas importante que las formas" según nos cuenta. Pero esto no es del todo cierto pues Vanesa lo que quiere, lo que le mueve quizá, es recalcar esa importancia vital y colorista. Y sin duda lo consigue. Pero cuando uno observa sus pinturas éstas tienen unas formas cuidadas y una armonía innata y preestablecida. Busca, quizá sin quererlo, la perfección entre el alma y el cuerpo del cuadro. Todo o casi todo está medido desde esa intuición a la que nos referimos al principio, o lo que es lo mismo, Vanesa buscando o trabajando el color, encuentra la forma precisa. Sus composiciones rebosan positivismo e incluso, como por ejemplo y curiosamente en alguno de sus mosaicos se encuentra una simbología numérico-musical, ya que utiliza composiciones de siete veces siete (49), números que definen las notas recogidas en una frase musical.

Para presentarnos ese color lo hace en la bandeja de lo estético, de lo amplio, de lo espacioso, desde unas flores que irradian no su color, si no el color elegido por Vanesa para destacar su impronta cromática viva y positiva. Solo así expresa su concepto y sus ideas de la vida, donde nada es oscuro, nada es negativo. Desde su afición y su amor por la pintura, nos manifiesta que se siente transportada a sus momentos más íntimos, más relajantes y expresivos de su mundo interior y los pone en común con el espectador valientemente y con decisión. Sin miedo a que el resultado final defraude, pues se mueve en un ambiente que conoce y domina. Y eso se nota y se vive en su obra a la primera impresión produciendo un fuerte impacto visual, provocando que los sentidos adquieran una mayor sutileza desde la naturaleza simple pero a la vez bella y noble, de una flor. Este es un elemento que utiliza asiduamente y que resuelve sin dificultad. Se siente que a Vanesa le encanta pintar y es algo que no solo se ve en sus cuadros, si no que cuando hablas con ella de pintura lo hace con una ilusión y credibilidad grata y contagiante.

Vanesa Roncal tiene mucho que aportar a la pintura, por su juventud, por su interés por el color, pero también por lo estético, por lo bien hecho y por las inquietudes y enormes ganas de trabajar por y para el arte. Pero también por que esta pintora dispone de grandes dosis de esa intuición creativa tan necesaria, de esa simpatía y empatía con el objeto y el color elegido para sus composiciones. Quiere experimentar e investigar en el mundo del arte en la medida de lo posible, para percibir nuevas sensaciones y ponerlas en común. En definitiva, el resultado de lo que haga artísticamente no nos dejara escépticos ni displicentes, si no todo lo contrario.

CAL

Todos exploramos nuestro mundo personal. Todos sentimos la necesidad de hacernos preguntas sobre nosotros mismos y sufrimos ese delirio interior cuando nos enfrentamos a la realidad única e irrepetible de nuestra existencia. Y en ocasiones ese ejercicio interior se exterioriza con la idea de una puesta en común, como buscando una coartada, en la medida que se comparte con los demás. Para Concha Romero esa es la motivación. Necesita transmitir sus emociones con los pinceles y la paleta. Confiesa que "pintar es buscar la paz" y mientras la encuentra pintando, sin duda, reflexiona sobre si misma y desde ahí, encontrar su esencia absoluta y la transfiguración necesaria de un resurgir con mas ganas de vivir en el siguiente proceso. Por que quien tiene necesidad de transmitir creando, aunque resulte paradójico, también sufre. Pero sabiendo que ese sufrimiento, a veces placentero, abrirá la puerta a un nuevo proceso para convertirse en un ser mas curtido, mas maduro y, por que no, mas sabio después de esa puesta en común.

Quizá por ello Concha necesite de un ambiente propicio para pintar. Se evade del mundo terrenal para meterse en su otro mundo, el mas personal e íntimo y encontrar esas respuestas imposibles, a solas, con sus pinceles autodidactas y sus vivencias , plasmándolas en el lienzo de manera irreversible e incondicional, sin medias verdades que enturbien el objetivo de llegar, de transmitir lo que vive y siente. Y para ello, curiosamente, le resulte vital mirar espacios abiertos, caminos que llevan a lugares que existen, o no. Que mas da. Y se soporta en la naturaleza mas inmediata, del paisaje donde reside desde hace años, con sus olivos, recios, serios, imbricados en la dureza de un clima extremo, que les deporta mas prestigio ancestral si cabe, en su condición de árbol generoso y noble. O nos sorprende, en un requiebro de cambio radical de elemento figurativo, pintando una buena colección de flores. Quizá en busca de esa belleza interior que cualquier ser humano y sensible persigue.

Concha Romero tiene 48 años y apareció en el mundo de la pintura allá por el año 1980, casi por casualidad. Lo suyo siempre había sido la música. Por ello ahora la necesita mientras pinta. Sus padres se dedicaban a ese mundo "yendo de acá para allá con una orquesta", nos comenta con la nostalgia que produce el recuerdo de la infancia. La misma Concha fue cantante durante años y cuando quedó embarazada de su hijo "ante esa parada obligada, había que llenar la hiperactividad que llevaba y me decidí por la pintura". Y se tiró a tumba abierta. Sin academias ni profesores y empezó a pintar lo que le apetecía, descubriendo que era un excelente terapia "que recomiendo a cualquier persona que sienta la necesidad de hacer algo que le relaje, que le reporte esa paz que me reporta a mi" según nos cuenta no sin un cierto chispeo de brillante satisfacción en sus ojos. Su profesora ha sido ella misma. Lo que se conoce como ser "autodidacta". Pero ser autodidacta no significa "no saber". No significa que los resultados sean malos por no haber tenido una formación pictórica. Lo mismo que uno no es pianista por tener un piano, pero puede aprender a tocarlo, sin desentonar, a su manera. Los resultados de la pintura de Concha no son estridentes, no chirrían -si se me permite el término- por no ser academicista, si no que vistos con ojos asépticos, desinteresados, el resultado siempre es admitido. Por que haga lo que haga esta pintora nacida en Domeño (Valencia) y afincada en La Muela, lo hace desde la convicción mas profunda de comunicar para compartir su yo mas sincero, exponiéndolo de una forma sutil y agradable. Por que ella no pinta para ganarse la vida, si no que lo hace para sentirse bien. Para encontrarse con ella misma. Y para ello se han de dar las condiciones necesarias, incluida la del resultado final. Si no, Concha no estará satisfecha con ella misma y por ello esa "insatisfacción" en el resultado no será puesta en común.

CAL