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Tres ilustradoras

Tres ilustradoras

Trasteando por internet en busca de cositas para mis clases he encontrado imágenes de la obra gráfica de tres artistas jóvenes que merece la pena mirar.

Como veréis son muy distintas entre sí, pero las tres hacen cosas muy bonitas -de esas que muchos calificarían de femeninas.y no soy yo muy de separar por géneros, pero quizás sí lo sean-. Lo que tengo claro es que tienen una gran sensibilidad y una envidiable capacidad para convertir elementos tan sencillos como tinta y papel en arte.

La primera es Sanna Annuka, una ilustradora y grabadora anglo-finlandesa que ya ha conseguido fama y fortuna. Por lo visto su pistoletazo de salida fue ilustrando la portada y libreto del album Under the sea del grupo pop británico Keane y de ahí hacia arriba. Ahora trabaja en su propia línea de productos de diseño que incluye decoración y textil. Al verlo seguro que os suena el estilo, muy actual (muy Ikea) pero bebiendo de la tradición noreuropea.

La segunda es la catalana Meritxell Montiel. Ya hace tiempo que conocí su trabajo y ahora he visto que también está adquiriendo fama. No es de extrañar, porque hace ese tipo de dibujos entre naif y siniestro que tanto gustan ahora (no lo critico, me incluyo entre los fans aunque ya esté algo manido). Tanto es así que ya la están plagiando -con mucho menos talento, la verdad- como se puede ver en las quejas de su blog.

Para terminar, la británica Andrea Joseph. Trabaja con materiales tan cotidianos como los lápices de colores o los bolígrafos bic. Su obra es en gran parte un diario gráfico en el que se mezclan sus impresiones de forma plástica y literaria. Su estilo realista es muy personal, muy limpio, lleno de imágenes cotidianas y simbólicas a la vez. Transmite sinceridad, reflexión, calma, pureza...

Las tres tienen web o blog con su obra comentada (dos en inglés, claro, pero los dibujos no necesitan explicación). Os dejo los links y me voy, que no sé por qué me han entrado muchas ganas de dibujar...

www.sanna-annuka.com

www.lalineapeluda.com

www.andreajoseph24.blogspot.com

100x81

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Recibí un correo solicitando las bases del concurso de pintura rápida. Me interesé por su origen y he descubierto esta estupenda página, que recomiendo encarecidamente su visita. El que no lo haga no sabe lo que se pierde. Su autor es un excelente pintor que se llama "Miguel Torrus" y ha conseguido abrir en un solo sitio un montón de ventanas a distintos aspectos del mundo de la pintura...¡Manolo! hay unos grupos de discusión que te encantarán. Para algunos apartados hay que registrarse, pero se puede disfrutar de muchas cosas sin tener que hacerlo...

Os dejo esta información que se lee cuando entras en la página:

100x81 ES UN SITIO GRATUITO PARA LOS AMANTES DEL ARTE, MEDIANTE EL CUAL SUS MIEMBROS DISPONDRAN DE SU PAGINA PERSONAL DONDE PONDRAN DIFUNDIR SU OBRA, INFORMAR DE SUS ACTIVIDADES , ASI COMO ESTAR INFORMADO DE EVENTOS EXPOSICIONES,,ETC. Y PODER CONVERSAR E INTERCAMBIAR OPINIONES CON OTROS MIEMBROS...

Enlace a la página

http://100x81.ning.com/

Daily Photo Proyects

Daily Photo Proyects

El 1 de noviembre de 1998 el fotógrafo Jonathan K. Keller comenzó un curioso proyecto: realizar una fotografía de su rostro cada día hasta su muerte. Lo llamó The adaption to my generation: A daily photo proyect (La adaptación a mi generación: Un proyecto fotográfico diario). Posteriormente  unos cuantos autores comenzaron proyectos similares entre los que destacan Everyday (Cada día) de Noah Kalina, comenzado el 11 de enero del 2000, Me (Yo) de Ahree Lee, comenzado en noviembre de 2001 y el que Arno Klein está haciendo de su hija Ellora desde el día de su nacimiento, que, de completarse, sería el primer daily photo proyect que cubre todos los días de la vida de una persona.

Estas fotografías se han editado como videos en los que las imágenes se suceden como rapidísimos planos de forma que varios años de vida quedan condensados en unos minutos. En ellos la imagen fotográfica deja de ser inmóvil, queda animada por los pequeños cambios, imperceptibles a tiempo real, que el paso del tiempo opera en los rostros.

Todos estos artistas han sido reconocidos y premiados y, mediante su difusión vía internet, especialmente en YouTube, han alcanzado tal popularidad que incluso Los Simpson han realizado su propia versión con Homer como protagonista.

Lo que en principio pudo parecer simplemente una idea ingeniosa es para muchos una interesante y rica obra artística que reflexiona sobre el propio concepto de imagen, el interés que el ser humano siempre ha tenido por el paso del tiempo, por su propia identidad, su decadencia y su caducidad y, en consecuencia, su deseo de permanecer, trascender…

El investigador Luis Vives-Ferrándiz, de la Universidad de Valencia, publicó en la revista cultural IMAGO –desgraciadamente no se publica on-line- un interesante artículo sobre este tipo de proyectos, analizando sus características artísticas y retóricas. Para Vives-Ferrándiz estas obras se insertan en la tradición cultural al enlazarse con las imágenes que, desde la antigüedad, el hombre ha creado para representar las etapas de la vida o las edades del hombre, resumidas en unos cuantos instantes clave: nacimiento, infancia, juventud, madurez, vejez, muerte.  Nos recuerda también que, aunque la tradición perciba el concepto imagen como mímesis o representación de la realidad, en su origen fue más bien una huella, un instante “congelado” que permanecerá cuando la realidad que lo creó ya haya desaparecido: la propia palabra imagen proviene del latín imago, que en la cultura romana era una mascarilla de cera que se hacía a los difuntos para que su imagen perdurase. En este sentido considera que los daily photo proyects no estarán terminados hasta que se realice la última fotografía, la de la muerte, momento en que los significados se completen y formen una verdadera alegoría de la vida.

El autor también compara estas obras con otras similares a lo largo de la historia del arte, destacando entre ellas la completa serie de autorretratos que Rembrandt realizó a lo largo de su vida -unos noventa entre pinturas, dibujos y grabados- u otras obras contemporáneas que enlazan con ellos tanto formalmente como conceptualmente, como son las fotografías “dobles” de la artista donostiarra Esther Ferrer (yuxtaponiendo dos medios rostros pertenecientes a épocas diferentes) o los Long Portraits (Retratos largos: retratos en video de unos minutos de duración) de Clayton Cubitt. Y, en el ámbito más amplio de la cultura popular –no por ello con menos valor artístico- nombra dos referencias a estos temas: la película Smoke, en la que el protagonista realiza desde su tienda una fotografía diaria de la misma esquina de Manhattan y aquel anuncio de la videoconsola XBOX en el que, en unos pocos minutos, un niño nace, crece, envejece y cae literalmente en su tumba, bajo el slogan “Life is short. Play more” (La vida es corta. Juega más), un gran ejemplo de cómo hasta nuestras preocupaciones más íntimas y eternas son susceptibles de ser tratadas con sentido del humor.

Ahora nos queda reflexionar a los demás…

Para ver de qué hablo:

Animación en video de The adaptation to my generation: A daily photo proyect, de Jonathan Keller:  www.youtube.com/watch?v=Vc_PU3D3QNE

Animación en video de Everyday, de Noah Kalina: www.youtube.com/watch?v=6B26asyGKDo

Animación en video de las fotografías de Arno Klein a su hija Elora: www.youtube.com/watch?v=SkYXiYZVpMc&feature=related

Un fragmento del documental Rembrandt: Schilder van des mens, de 1957, en el que podemos ver una serie de autorretratos de Rembrandt como si fueran un daily photo proyect: www.youtube.com/watch?v=RwLE72M0cxI

Anuncio Life is short. Play more para XBOX: www.youtube.com/watch?v=uu8456pVSLI

 

¿Qué nos recuerda esta cuadrilla?

¿Qué nos recuerda esta cuadrilla?

Estimados colegas. A ver si nos animamos y seguimos los pasos de estos pintores gallegos.

http://www.grupo-niebla.blogspot.com/

 

DAVID VELA ILUSTRADOR

DAVID VELA ILUSTRADOR

No te pierdas (mejor, piérdete sin preocupación del tiempo en) las secciones del blog de este ilustrador zaragozano.

http://davidblogcartoon.blogspot.com/

Arte y más: Grayson Perry

Arte y más: Grayson Perry

 

Grayson Perry Tener un buen sentido del humor es imprescindible para poder comprender la obra de Grayson Perry (Chelmsford, Essex, 1960). Este autor británico lleva desde la década de los ochenta provocando y sorprendiendo al público – por ello estuvo seleccionado en la última muestra de Saatchi “New Labour” – con una crítica ácida e hilarante contra los convencionalismos de la sociedad inglesa, sus roles sexuales y de comportamiento. Para ello utiliza tres caminos: las fotografías y cortos de su alter-ego travestido, Claire, la porcelana y los bordados. Todos ellos son extraídos de la sensibilidad burguesa de su país para ser presentados con un nuevo filtro iconográfico que le otorga ese papel mordaz.

Perry estudió arte en la Portsmouth Polytechnic, en donde ya manifestó su interés por la cerámica debido a su baja consideración dentro de las bellas artes. Después se uniría al grupo Neo-Naturista londinense de los ochenta, al que le unió una misma atracción por la “anti-moda” más extravagante. La aplicación de este espíritu reivindicativo a la técnica cerámica será su gran descubrimiento, realizando su primera y exitosa exposición en 1985.

La originalidad de Grayson reside en esta transformación de un objeto tan popular en Inglaterra como son los jarrones de porcelana. Si bien pueden parecer sacados de un salón, su superficie está plagada de graffitis, zapatos de firma, figuras que deambulan saturadas de Prozac, pornografía barata y alusiones biográficas a su pubertad. Una imaginaría que se repite en los bordados que ha comenzado a realizar en los últimos años, en los que destacan los aviones y armamentos. Detalles que convierten estas lozas inocentes en un espacio para la crítica más ácida, o como él define en “confesiones maleducadas”.

La otra técnica de trasgresión de Perry se materializa en si mismo, en la presentación continua en fotos y videos de su personalidad femenina. Claire es “un ama de casa de la clase alta de Essex haciendo compras” o “un cruce entre Katie Boyle y Camilla Parker-Bowles”. El artista se presenta con vestido tradicionales bordados con sus polémicos dibujos, con trajes de fiesta, y en su sin fin de situaciones que ridiculizan la imagen más asentada de la mujer inglesa, con sombrero de flores para las grandes ocasiones y que pasa sus días gastando en las galerías comerciales y preparando té para sus amigas.

Cinismo, sátira, burla del entorno en que se crió, pero también una exorcización de sus traumas juveniles, que convierten a la obra de Greyson Perry en una de las más frescas y renovadoras propuestas de los últimos años.
Este artículo está fusilado casi entero de:

http://www.masdearte.com/item_exposiciones.cfm?noticiaid=6420

http://www.artnet.com/artist/423818787/grayson-perry.htm

http://www.ceramicstoday.com/potw/grayson_perry.htm

http://www.contraindicaciones.net/2003/12/los_jarrones_de_grayson_perry.html

 

http://www.tate.org.uk/britain/turnerprize/2003/perry.htm

 

ARTE CON UN

ARTE CON UN

Juan Francisco Casas es un artista de La Carolina que pinta, parte de su obra, con bolígrafo.

No será el primero ni el último en pintar con ese material, pero unido a las imágenes que elige y el efecto que producen en el espectador, el resultado es espectacular, valga la "rebuznancia"...

http://www.elpais.com/fotogaleria/Hiperrealismo/boli/4939-1/elpgal/?aut=false

Arte y más: Fiona Banner

Arte y más: Fiona Banner

Fiona Banner Merseyside, 1966

Artista británica. Estudia primero en el Kingston Polytechnic y después en el Goldsmiths College (1991-1993). Lo más conocido de su obra son las llamadas “still films” (películas quietas o detenidas), en las que explora las posibilidades y las limitaciones y del lenguaje. Desde 1994 elabora textos manuscritos o impresos en los que describe películas o escenarios con sus propias palabras y una gran meticulosidad. En 1996 participa en la importante muestra “Spellbound” de la Hayward Gallery, dedicada a los entrecruzamientos entre arte y cine. Allí muestra su libro The Nam en el que narra seis películas comerciales en torno a la guerra de Vietnam. En el 2000 comienza a investigar el cine pornográfico y aborda el tema de la sexualidad en obras como Arsewoman in Wonderland, particular visión de las aventuras de Alicia. En 1998 realiza una serie de esculturas que representan puntos –signos de puntuación- de tamaño monumental, con la intención de “puntuar” el espacio de la galería a la manera de un texto. Entre sus exposiciones cabe mencionar la individual de la Hayward Gallery (2001) y “Your plinth is my lap” en la Neuer Aachener Kunstverein, Alemania (2002). Es nominada para el Turner Prize en 2002.

Fusilado de Masdearte

 

«Si esta mierda es el mejor arte inglés joven estamos perdidos» Dura crítica del ministro de Cultura británico contra los finalistas del polémico Premio Turner

 

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/turnerprize/2002/banner.htm

 

http://news.bbc.co.uk/1/hi/entertainment/arts/2016542.stm

 

http://www.artnet.com/artist/704498/fiona-banner.html

MUSEO XUL SOLAR

MUSEO XUL SOLAR Alejandro Xul Solar (Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, 1887-1963), es uno de los representantes más singulares de la vanguardia en América Latina. En 1912 partió rumbo a Europa donde permaneció hasta 1924, residiendo en Italia y en Alemania y realizando frecuentes viajes a Londres y París. A su regreso, participó activamente de la renovación estética propuesta por el grupo editor del periódico Martín Fierro (1924-1927). Amigo de Jorge Luis Borges, ilustró varios de sus libros y colaboró en varios de sus emprendimientos editoriales como la Revista Multicolor de los Sábados y Destiempo .

De una vasta cultura, sus intereses lo llevaron al estudio de la astrología, la Cábala, el I Ching, la filosofía, las religiones y creencias del Antiguo Oriente, de la India y del mundo precolombino además de la teosofía y la antroposofía, entre muchas otras ramas del saber.

Se ocupó también de la creación de dos lenguajes artificiales –el neocriollo y la panlengua– y del panajedrez; propuso una modificación de la notación musical y del teclado de piano e ideó un teatro de títeres para adultos, entre muchas otras cosas.

Enlace al museo: http://www.xulsolar.org.ar/index2.htm

BLOG DE MUJERES PINTORAS

BLOG DE MUJERES PINTORAS

http://mujerespintoras.blogspot.com/

 

Arte y más: Anya Gallacyo

Arte y más: Anya Gallacyo

ANYA GALLACCIO Nacida en Glasgow, Escocia, en 1963, es una de las principales artistas británicas de los años ’90 aunque ha logrado mantenerse independiente de los “Young British Artists.” En sus obras, la mayor parte de ellas instalaciones, el proceso de cambio constituye la esencia de la mismas. Utilizando materiales como el chocolate, el hielo, las manzanas, las flores o las plantas, la artista juega con elementos como la descomposición, el derretido u otras alteraciones orgánicas. Sus obras son más bien eventos que objetos, marcando en ellas dos puntos de referencia: creación y destrucción. Como algunos artistas asociados al Art Povera, Anya Gallaccio limita la duración de sus proyectos, haciendo de su obra un acontecimiento casi teatral. La obra de Anya rompe con el concepto de posesión tangible tan relacionado con nuestra sociedad de consumo. Ha expuesto en importantes exposiciones colectivas internacionales importantes y ha realizado varios proyectos para la Serpentine Gallery en Londres. En la actualidad vive y trabaja en Londres.Texto tomado de arte10.com/museo/nmacAdvertencia sobre las páginas web de abajo: las dos primeras están en inglés pero si se entra por GOOGLE y se  le da a traduzca esta página, hay frases para mondarse…por ejemplo traduce “links” por “acoplamientos” (tampoco estaría mal ver algunos).  

http://www.artnet.com/artist/6676/anya-gallaccio.html

 

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/turnerprize/2003/gallaccio.htm

 

http://www.fundacionnmac.com/spanish/coleccion.php?id=101

Arte y más: Tracey Emin

Arte y más: Tracey Emin

Tracey Emin: Londres, 1963 (Biografía en “Masdearte”)

http://www.masdearte.com/item_artistas.cfm?noticiaid=6184 

 Artista británica. Se forma en el Maidstone School of Art y en el Royal College of Art de Londres. Utiliza su biografía como material principal de su obra, siendo característica su versatilidad a la hora de utilizar materiales: textos, pintura, dibujo, escultura, textil, vídeo, instalaciones... Una de sus obras más representativas es CV Cunt Vernacular (1997), presentada en la Tate Modern, y que constituye una narración en primera persona de su tumultuosa vida: nacimiento en Londres, niñez en Margate, víctima de una violación a los 13 años, promiscuidad, absentismo escolar, dos abortos, intentos de suicidio... Nominada al Turner Prize en 1999 con su obra “the bed”…

 

En la cama con Tracey Emin  (artículo de “El mundo”)

 

http://www.elmundo.es/1999/10/21/cultura/21N0118.html

 …Mi cama, de Emin, se encuentra en el centro de la primera sala y atrae como un imán la atención del público. Junto al lecho, dos botellas de vodka y una de zumo, un montón de kleenex sucios, bragas y compresas usadas, un cenicero lleno de colillas, condones, tampones, anticonceptivos, gel lubricante, tiritas viejas, un muñeco de peluche...

La cama de marras no es más apta para estómagos sensibles. Las sábanas arrugadas están estampadas con huellas de neumático, manchas de orín y de otro origen indefinible; el edredón, impregnado de sudor, amarillea; las plumas se escapan de las almohadas. Encima del lecho, un letrero luminoso informa: «Cada parte de mí está sangrando». En las paredes, algunos de sus dibujos y un tapiz con la palabra «Joder» en lugar prominente…

 

 http://www.tracey-emin.co.uk/tracey-emin-home.html

 

http://es.wikipedia.org/wiki/Tracey_Emin

 

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/artpages/tracey_emin_my_bed.htm

Arte y más: Jake y Dinos Chapman

Arte y más: Jake y Dinos Chapman

Los hermanos Chapman pertenecen a la generación de los llamados YBAs-Young British Artists (Jóvenes Artistas Británicos), surgida a finales de los noventa en torno a la exposición Sensation y que incluyó a cuarenta y dos artistas británicos entre los que se hallaban Tracey Emin, Mona Hauton, Damien Hirst, Gary Hume, Sarah Lucas, Rachel Whiteread y Jane Simpson (quien expondrá en el CAC Málaga el próximo verano). Todos ellos muestran una actitud irreverente frente a una sociedad institucionalizada en la que se desenvuelven reivindicando un arte de lo depravado y lo grotesco, todo ello con un aire irónico y blasfemo que ataca los tabúes más enraizados para provocar una reflexión individual sobre el mundo.

La obra de Jake y Dinos Chapman, realizada en la mayoría de los casos de forma artesanal, es fr ecuentemente objeto de debate en el contexto artístico internacional. En un momento en el que las escenas de muerte, violencia, destrucción y sexo son más que habituales en portadas de periódicos, revistas y televisiones, los propios artistas se muestran rotundos: “si alguien se escandaliza con nuestra obra, o es un hipócrita o está enfermo”.

Hay tres temas que han predominado en el trabajo de estos artistas desde que comenzaran a trabajar juntos a principios de la pasada década: el consumismo y los tabúes sociales, la creación artística como proceso y la violencia a través de Francisco de Goya.

En todas estas obras, los Chapman se valen del humor, la ironía y la provocación para reflexionar sobre una sociedad de excesos y llena de tabúes, que parece escandalizarse ante representaciones de una realidad que siempre acaba superando a la ficción en horror y vergüenza.

Para conocer mejor la obra de los hermanos Chapman:

http://www.cacmalaga.org/exposiciones/2004/chapman.htm

http://www.whitecube.com/artists/chapman/ 

http://www.tate.org.uk/britain/turnerprize/2003/chapman.htmhttp://www.kunsthaus-bregenz.at/ehtml/ewelcome00.htm?aus_chapman.htm 

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/chapman/default.shtm

http://www.bbc.co.uk/dna/collective/A6206735




 

Arte y más: Damien Hirst

Arte y más: Damien Hirst

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Damien Hirst (Bristol, 7 de junio de 1965) es un artista británico.

Biografia

Durante los años de la década de 1990 se constituyó en líder de los "Young British Artists" (o YBAs), Jóvenes Artistas Británicos, dominando el arte británico durante esa década y siendo ampliamente reconocido internacionalmente. Al comienzo de su carrera estuvo muy ligado al importante coleccionista Charles Saatchi, que fue muy responsable de su enorme y rápido éxito con una muy intencionada labor de marketing. Sin embargo en 2003 la relación se rompió completamente por importantes desavenencias entre ambos.

Obra

La muerte es el tema central en su obra, que siempre ha estado rodeada de gran polémica más o menos premeditada y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Su serie de obras más conocida es Natural History en la que distintos animales muertos como un tiburón, una oveja o una vaca son conservados y en ocasiones cortados dentro de tanques de formaldeído. Es también reconocido por sus "spin paintings", realizados sobre una superficie giratoria, y por sus "spot paintings", consistentes en círculos coloreados aleatoriamente.

Su trabajo más icónico y polémico The Physical Impossibility Of Death In the Mind Of Someone Living (Imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo), un enorme tiburón tigre en una vitrina llena de formaldeído, fue vendido en 2004 como la segunda obra más cara de un artista en vida (después de Jasper Johns), alrededor de 10 millones de dólares. Actualmente esa pieza, aún a pesar de su precio, está sufriendo un irreversible proceso de degradación, ya que el tiburón se está descomponiendo.

Wikipedia

  • Obras de Damián Hirst (en inglés)

http://www.artchive.com/artchive/H/hirst.html

  • Entrevista de Magali tercero en arteven.com

http://magalitercero.arteven.com/e/d_hirst.htm

Gregorio Villarig un pintor de altura

Gregorio Villarig a parte de un extraordinario pintor es un escalador de categoria.

En internet se encuentra un montón de información sobre este entrañable compañero, pero os invito a que, antes de buscar otras cosas, veais este video...

Gregorio Villarig en "la visera" (Riglos).

Arte y más: Gunther Von Hagens

Arte y más: Gunther Von Hagens

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Gunther Von Hagens

Este anatomista alemán disecciona cadáveres humanos y de animales. Los somete a un tratamiento químico de su invención que se llama “plastinación” para que adquieran una consistencia determinada y hace montajes son ellos que pueden ir desde una especie de escultura hasta escenas con varios elementos.

Para abastecerse de cuerpos montó una “fábrica de momias” en China en la que preparan los cadáveres, algunos, procedentes de reos ajusticiados.

En la actualidad hay un competidor en lo concerniente a la exposición de cadáveres, la empresa Premier Exhibitions, creadora de Bodies: The Exhibition, actualmente abierta en Nueva York.

Para saber más:

  • Gunther Von Hagens

http://es.wikipedia.org/wiki/Gunther_von_Hagens

  • Plastinación

http://es.wikipedia.org/wiki/Plastinaci%C3%B3n

  • “Body wolds”. Exposición con cuerpos plastinizados

http://www.koerperwelten.com/en.html

  • La competencia, “Bodies: The exhibition” (con vídeos)

http://www.bodiestheexhibition.com/

Arte y más: Mauricio Cattelan

Arte y más: Mauricio Cattelan

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.
También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Nacido en Padova en 1960, vive en Nueva York y trabaja en Milán.
Esencialmente autodidacta, su obra bascula entre la escultura y el performance y tiene en el sentido del humor y la trasgresión de los símbolos establecidos sus principales armas de expresión.
El fin de Cattelan es provocar. Enfadarte, divertirte... da igual.
En su individual del MOMA de Nueva York, en 1998, hizo que un actor vestido de Picasso, provisto de una gran careta que caricaturizaba el rostro del pintor, saludara a los visitantes al puro estilo de Disney World; un modo de llamar la atención sobre la inercia mercantil y espectacular del arte contemporáneo. Otra de sus intervenciones sonadas tuvo lugar en 1999 en la galería Anthony d´Offay, donde instaló una réplica del monumento Mail Lin de Washington, en la que sustituyó los nombres de las víctimas de la guerra de Vietnam por las derrotas de la selección inglesa de fútbol; corrosiva broma sobre la gravedad con la que se trata el mundo del fútbol, sobre la proporción y la comparación, sobre las diferentes memorias nacionales.
En “la nona ora”, la escultura muestra a una roca que al caer del cielo, ha roto la ventana y ha golpeado al Papa Juan Pablo II que yace en el suelo sin poder levantarse. La polémica está servida.

Las obras más polémicas son los
“niños ahorcados” como el que colgó en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla. Tres de estas esculturas, colgadas de un árbol en Milán, provocaron que un vecino enfurecido trepara al árbol a descolgarlas y acabara en el hospital por una caída…

  • Más sobre cattelan y galería

http://www.destino-x.com/artman/publish/cattelan.shtml

Arte y más: Ron Mueck

Arte y más: Ron Mueck

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra.

Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento sorprendente para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.

Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.

  • Fotografías

http://www.flickr.com/search/?q=mueck&z=t

  • Entrevista con Ron Mueck publicada en Titerenet

http://www.titerenet.com/2007/03/27/como-construye-sus-figuras-ron-mueck

 

José Ignacio Amelivia García

José Ignacio Amelivia García

CURRÍCULUM DE JOSÉ IGNACIO AMELIVIA GARCÍA

1º premio del II Concurso de Pintura Rápida de Valdejalón realizado en Épila en septiembre de 2006. Página personal: httP://www.amelivia.net

Licenciado en Bellas Artes en la Facultad de B.B. A.A. de la Universidad Complutense de Madrid

PRIMEROS PREMIOS

Certamen de pintura del natural Catedral de León

III certamen de pintura de Lodosa

V certamen de pintura al aire libre de Estella

VI concurso de pintura de Ribadesella

III concurso de pintura rápida de Trespaderne (Burgos)

Certamen de pintura al aire libre de Comillas

Certamen de pintura al aire de San Vicente de la Barquera

certamen de pintura rápida de Corella

I certamen de pintura al aire de Mendavia

II concurso de pintura al aire libre de Argoños

I certamen de pintura al aire de San Martín de Unx

II Concurso de pintura rápida de Valdejalón

OTROS PREMIOS

2º premio en el IV concurso nacional de pintura rápida Villa de Iscar (Valladolid)

2º premio en el V Certamen de pintura al aire Premio Clarión (Tafalla)

2º premio en el X concurso nacional de pintura rápida de Salas de los Infantes

2º premio en el II certamen de pintura del natural de Polanco (Cantabria)

2º premio en el certamen de pintura rápida de Torrelavega

Accésit en el II premio de pintura al aire libre de la Fundación Catedral de León

Accésit en el VI certamen de pintura al aire Marcelino Bañares (Gallarta)

PREMIOS TEMPORADA 2005

1º premio en el III premio de pintura del natural de la fundación Catedral de Victoria

1º premio en el III concurso de pintura rápida de Milagro (Navarra)

1º premio en el certamen de pintura de Ortuella (Vizcaya)

1º premio en el certamen de pintura del natural de Torrelavega

2º premio en el certamen de pintura rápida Vera de Moncayo

2º premio en el certamen de pintura del natural de Plentzia (Vizcaya)

3º premio en el II certamen de pintura del natural de Marchamalo (Guadalajara)

3º premio en el I certamen de pintura del natural de Lagrán (Álava)