artecal

Grayson Perry Tener un buen sentido del humor es imprescindible para poder comprender la obra de Grayson Perry (Chelmsford, Essex, 1960). Este autor británico lleva desde la década de los ochenta provocando y sorprendiendo al público – por ello estuvo seleccionado en la última muestra de Saatchi “New Labour” – con una crítica ácida e hilarante contra los convencionalismos de la sociedad inglesa, sus roles sexuales y de comportamiento. Para ello utiliza tres caminos: las fotografías y cortos de su alter-ego travestido, Claire, la porcelana y los bordados. Todos ellos son extraídos de la sensibilidad burguesa de su país para ser presentados con un nuevo filtro iconográfico que le otorga ese papel mordaz.

Perry estudió arte en la Portsmouth Polytechnic, en donde ya manifestó su interés por la cerámica debido a su baja consideración dentro de las bellas artes. Después se uniría al grupo Neo-Naturista londinense de los ochenta, al que le unió una misma atracción por la “anti-moda” más extravagante. La aplicación de este espíritu reivindicativo a la técnica cerámica será su gran descubrimiento, realizando su primera y exitosa exposición en 1985.

La originalidad de Grayson reside en esta transformación de un objeto tan popular en Inglaterra como son los jarrones de porcelana. Si bien pueden parecer sacados de un salón, su superficie está plagada de graffitis, zapatos de firma, figuras que deambulan saturadas de Prozac, pornografía barata y alusiones biográficas a su pubertad. Una imaginaría que se repite en los bordados que ha comenzado a realizar en los últimos años, en los que destacan los aviones y armamentos. Detalles que convierten estas lozas inocentes en un espacio para la crítica más ácida, o como él define en “confesiones maleducadas”.

La otra técnica de trasgresión de Perry se materializa en si mismo, en la presentación continua en fotos y videos de su personalidad femenina. Claire es “un ama de casa de la clase alta de Essex haciendo compras” o “un cruce entre Katie Boyle y Camilla Parker-Bowles”. El artista se presenta con vestido tradicionales bordados con sus polémicos dibujos, con trajes de fiesta, y en su sin fin de situaciones que ridiculizan la imagen más asentada de la mujer inglesa, con sombrero de flores para las grandes ocasiones y que pasa sus días gastando en las galerías comerciales y preparando té para sus amigas.

Cinismo, sátira, burla del entorno en que se crió, pero también una exorcización de sus traumas juveniles, que convierten a la obra de Greyson Perry en una de las más frescas y renovadoras propuestas de los últimos años. Este artículo está fusilado casi entero de:

http://www.masdearte.com/item_exposiciones.cfm?noticiaid=6420

http://www.artnet.com/artist/423818787/grayson-perry.htm

http://www.ceramicstoday.com/potw/grayson_perry.htm

http://www.contraindicaciones.net/2003/12/los_jarrones_de_grayson_perry.html

http://www.tate.org.uk/britain/turnerprize/2003/perry.htm

Artista británica. Estudia primero en el Kingston Polytechnic y después en el Goldsmiths College (1991-1993). Lo más conocido de su obra son las llamadas “still films” (películas quietas o detenidas), en las que explora las posibilidades y las limitaciones y del lenguaje. Desde 1994 elabora textos manuscritos o impresos en los que describe películas o escenarios con sus propias palabras y una gran meticulosidad. En 1996 participa en la importante muestra “Spellbound” de la Hayward Gallery, dedicada a los entrecruzamientos entre arte y cine. Allí muestra su libro The Nam en el que narra seis películas comerciales en torno a la guerra de Vietnam. En el 2000 comienza a investigar el cine pornográfico y aborda el tema de la sexualidad en obras como Arsewoman in Wonderland, particular visión de las aventuras de Alicia. En 1998 realiza una serie de esculturas que representan puntos –signos de puntuación- de tamaño monumental, con la intención de “puntuar” el espacio de la galería a la manera de un texto. Entre sus exposiciones cabe mencionar la individual de la Hayward Gallery (2001) y “Your plinth is my lap” en la Neuer Aachener Kunstverein, Alemania (2002). Es nominada para el Turner Prize en 2002.

Fusilado de Masdearte

«Si esta mierda es el mejor arte inglés joven estamos perdidos» Dura crítica del ministro de Cultura británico contra los finalistas del polémico Premio Turner

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/turnerprize/2002/banner.htm

http://news.bbc.co.uk/1/hi/entertainment/arts/2016542.stm

http://www.artnet.com/artist/704498/fiona-banner.html

Hola! no podia empezar a escribir en este blog sin recomendaros una pagina web que deberiamos tener todos en nuestra carpeta de favoritos. Se trata de una pagina hungara, www.wga.hu , en la que nos encontramos un gran archivo de imagenes de artistas, movimientos y zonas geograficas concretas, desde la antigüedad hasta el siglo XVIII. Son imagenes de una gran resolucion y calidad, que por cierto son las que yo llevo utilizando para estudiar desde hace años.

   Pero tambien hay que destacar que esta pagina incluye una parte de musica clasica que esta bastante bien. Podemos encontrar obras desde Monteverdi hasta Mozart. Una maravilla. Espero que disfruteis del climax que proporciona, por ejemplo, visionar las obras de Caravaggio (con una gran calidad) mientras de fondo nos acompaña la pasion de San Mateo de Bach.

Un cordial saludo a todos y espero que disfruteis de esta pagina al igual que yo.

Los cuadros de Velázquez son una conjunción única y fascinante de grandiosidad y realismo, intimidad y distanciamiento. Las Meninas es su retrato colectivo más complejo e intrigante. En el centro se encuentra la infanta Margarita, hija del rey, de cinco años de edad, flanqueada por sus damas de  honor las meninas, que dan nombre al cuadro. Aquí Velázque hace un juego con nuestra percepción y la relación de los retratados. Se autorretrata a la izquierda pintando ante un gran lienzo, pero ¿que ahi ahí?. No está pintando el retrato de la infanta, ya que está a su lado. La respueta se esconde en el espejo del fondo, que refleja al rey y a la reina posando para Velázquez. La pequeña infanta ha entrado en la estancia para ver a sus padres. Velázquez subvierte todas las normas y al hacerlo teoriza tanto sobre el arte del retrato como de la condición del artista.

El doble retrato.- Felipe IV y la reina aparecen reflejados en el espejo del fondo. Se les retrata de pie, bajo un cortinaje, en el lugar que ocupa el espectador del cuadro.

La dama de honor de la izquierda.- Doña Agustina Sarmiento le ofrece a la infanta en un plato de oro un búcarom rojo que contiene probablemente agua fresca.

El título.- Este lienzo figuraba en los inventarios del Palacio Real de Madrid con el título de El cuadro de la familia. Más tarde, aparece catalogado en el Museo del Prado en 1743 por su director don Pedro de Madrazo con el nombre de Las Meninas, título que tuvo un gran éxito literario y que ha perdurado hasta nuestros días. Dicho título le fue impuesto al cuadro como referencia a dos personajes que aparecen en él y apoyándose en la descripción que hace de la obra el pintor y escritor Antonio Palomino de Velasco (1555-1626) en su obra Museo pictórico. Cuenta el señor Palomino en esta obra que «dos damitas acompañan a la Infanta niña; son dos meninas». La palabra menina es de origen portugués y es el equivalente a paje en femenino. Llamaban así a las hijas de personajes de la nobleza que entraban en Palacio como doncellas de honor de las Infantas y las acompañaban en su séquito a todas horas. Sólo recibían este apelativo hasta que les llegaba el momento de la puesta de largo, así pues eran siempre damas muy jóvenes. Otros títulos que aparecen en los inventarios son: «La Sra. emperatriz Infanta de España con sus damas y criados y una enana donde se retrató el pintor a sí mismo pintando» (por referencia a la Infanta, futura emperatriz de Austria) y «La Infanta María Teresa» (siendo tal referencia equivocada).

La dama de honor de la derecha.- Doña Isabel de Velasco aparece a la derecha de la infanta con un gesto ensimismado y atento a los deseos de ésta. A su espalda, con hábito monjil y de viuded, la dueña Marcela de Ulloa conversa en la penumbra con un guardadamas, que al parecer se trata de don Diego Ruiz de Azcona.

La infanta.- Velázquez consiguió una especialísima agudeza en este retrato de la infanta. La riqueza del vestido y las joyas y la formalidad del gesto no esconden la vulnerabilidad de la niña.

Orgullo de cortesano.- Ricamente vestido y presentándose como cortesano, el artista escudriña a la pareja real parapetado tras el lienzo. El protocolo de la época era de extrema rigidez: a pocas personas se les permitía tanta intimidad con la familia real, y sin embargo el artista totalmente concentrado, se echa hacia atrás y, con mirada escrutadora, estudia a los retratados sin prisa aparente. Tampoco lo distre la infanta ni su séquito. Repárese en la actitud aburrida del mastín, indicativa de que los presentes llevan allí largo rato.

La orden de Santiago.- Velázquez lleva la cruz de la orden de Santiago que no se le concedió hasta 1658, dos años después de finalizar el cuadro. La cruz se añadió al cuadro a instancias de rey Felipe IV.

El autor.- Diego de Silva y Velázquez (1599-1660).- Antes de entrar al servicio del rey. en 1623, velázquez se especializó en escenas de género. Felipe IV tomó especial interés por él y encardinó su carrera en la producción de retratos reales. Animado por Rubens, en 1629 visitó Italia para estudiar el arte de la antigüedad. Recibió la influencia de Tiziano  cuyas obras se guardaban en la colección real. Maestro en el manejo de luces y sombras, sus innovaciones ejercerían gran influencia en el arte del siglo XIX.

Desde que apareció la fotografía hubo pintores que se interesaron por ella, como medio de representación y como inspiración, incluso más que eso, copiándolas en sus cuadros. Te sorprenderá saber quienes la has usado...y lo curioso que es este artículo del blog fogonazos:

http://fogonazos.blogspot.com/2006/11/baile-de-sombras_06.html

http://www.artnet.com/artist/6676/anya-gallaccio.html

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/turnerprize/2003/gallaccio.htm

http://www.fundacionnmac.com/spanish/coleccion.php?id=101

Tracey Emin: Londres, 1963 (Biografía en “Masdearte”)

http://www.masdearte.com/item_artistas.cfm?noticiaid=6184 

 Artista británica. Se forma en el Maidstone School of Art y en el Royal College of Art de Londres. Utiliza su biografía como material principal de su obra, siendo característica su versatilidad a la hora de utilizar materiales: textos, pintura, dibujo, escultura, textil, vídeo, instalaciones... Una de sus obras más representativas es CV Cunt Vernacular (1997), presentada en la Tate Modern, y que constituye una narración en primera persona de su tumultuosa vida: nacimiento en Londres, niñez en Margate, víctima de una violación a los 13 años, promiscuidad, absentismo escolar, dos abortos, intentos de suicidio... Nominada al Turner Prize en 1999 con su obra “the bed”…

En la cama con Tracey Emin  (artículo de “El mundo”)

http://www.elmundo.es/1999/10/21/cultura/21N0118.html

La cama de marras no es más apta para estómagos sensibles. Las sábanas arrugadas están estampadas con huellas de neumático, manchas de orín y de otro origen indefinible; el edredón, impregnado de sudor, amarillea; las plumas se escapan de las almohadas. Encima del lecho, un letrero luminoso informa: «Cada parte de mí está sangrando». En las paredes, algunos de sus dibujos y un tapiz con la palabra «Joder» en lugar prominente…

 http://www.tracey-emin.co.uk/tracey-emin-home.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Tracey_Emin

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/artpages/tracey_emin_my_bed.htm

 Este portentoso cuadro de Caravaggio describe un emotivo pasaje evangélico. Dos de los discípulos de Cristo-que ya había resucitado-, conmovidos aún por su muerte, iban hacia el pueblo de Emaús cuando se les unió un extraño. En Emaús hicieron un alto en la posada y se sentaron a cenar. Cuando antes de empezar a comer el desconocido bendijo el pan, los discípulos lo reconocieron de inmediato. Tal es el momento dramático, que Caravaggio lo recoge en su obra, bajo cuyo aparente realismo laten ricos significados simbólicos.

El discípulo de Jesús (izda.): Este personaje es Cleofás, discípulo de Jesús mencionado en los evangelios(Lucas 24:18), que se retira de la silla estupefacto al comprovar la identidad de su señor. Su rostro adopta una cuidada expresión teatral de sorpresa.

Una invitación a la mesa: El primer plano de la mesa está vacío invitando al espectador a participar en el episodio.

Naturaleza muerta: Caravaggio fue un autentico maestro en pintar naturaleza muerta, tal y como se aprecia en este cuadro a través de los distintos elementos colocados sobre la mesa. La posición al límite de la mesa, del cesto de la fruta, es un osado ejemplo de escorzo. Las manzanas magulladas y los higos reventados aluden al pecado original. La granada simboliza el triunfo de cristo sobre el pecado original por medio de la resurrección.

El elemento exterior: El posadero permanece ajeno a la escena, por que no sabe quien es Cristo y desconoce la ceremonia de la bendición del pan. Representa a los desconocedores de la iglesia. Su tranquilidad contrasta con la excitación de los discípulos 

La bendición del pan: Cristo preside la mesa y levanta la mano derecha para bendecir el pan.  La figura de medio cuerpo tiene el rostro radiante, manera que fue novedosa y ciertamente criticada, en algunos círculos, de retratar a Cristo.

Mano y brazo en escorzo: Caravggio alcanzó fama por su maestría en el escorzo, que es la ilusión de que un objeto o un miembro se proyecta fuera del cuadro. Este cuadro contiene algunas muestras de esta técnica (obsérvese la mano izquierda del discípulo de la derecha).

El realismo de Caravggio: la energia pictórica de Caravaggio dimana de su habilidad para combinar realismo, distorsión y simbolismo en una imagen coherente. A primera vista parece retratar los acontecimientos tal y como puidieron ocurrir. Cristo, de 33 años, no está idealizado, y los discípulos, que parecen pescadores, reaccionan de forma creible ante lo que ven. Sin embargo, cunto más han estudiado los expertos su obra, más artificios distorsines y símbolos salen a la luz.

El autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571- 1610) Caravaggio tomó el nombre de su pueblo natal, cerca de Milán. Su estilo se desarrolló una vez establecido en Roma en el año 1592, donde tuvo que marchar tras repetidos escándalos. Estuvo inspirado por los maestros renacentistas Leonardo y Miguel Angel. Caravaggio es un heraldo del barroco que dominará todo el siglo XVII.

Los hermanos Chapman pertenecen a la generación de los llamados YBAs-Young British Artists (Jóvenes Artistas Británicos), surgida a finales de los noventa en torno a la exposición Sensation y que incluyó a cuarenta y dos artistas británicos entre los que se hallaban Tracey Emin, Mona Hauton, Damien Hirst, Gary Hume, Sarah Lucas, Rachel Whiteread y Jane Simpson (quien expondrá en el CAC Málaga el próximo verano). Todos ellos muestran una actitud irreverente frente a una sociedad institucionalizada en la que se desenvuelven reivindicando un arte de lo depravado y lo grotesco, todo ello con un aire irónico y blasfemo que ataca los tabúes más enraizados para provocar una reflexión individual sobre el mundo.

La obra de Jake y Dinos Chapman, realizada en la mayoría de los casos de forma artesanal, es fr ecuentemente objeto de debate en el contexto artístico internacional. En un momento en el que las escenas de muerte, violencia, destrucción y sexo son más que habituales en portadas de periódicos, revistas y televisiones, los propios artistas se muestran rotundos: “si alguien se escandaliza con nuestra obra, o es un hipócrita o está enfermo”.

Esta famosa obra tiene como escenario el famoso Café- concierto Folies-Bergére, uno de aquellos lugares tan de moda de finales de siglo XIX, donde acudía todo tipo de gente a divertirse y sobre todo a observar y ser observado.

   La elaboración del cuadro es de una estructura aparentemente sencilla, en la que la vista y la ilusíón se mantienen de forma permanente. La figura central es la camarera Suzon, que aparece  como ensimismada, como ausente del gentío que le rodea. Sin embargo si se observa la zona de la derecha se ve lo que parece ser el reflejo de Suzan hablando con un cliente, Gastón Latouche, amigo del pintor. Algo que parece, a medida que se estudia mas detalladamente el cuadro, realmente sorprendente. El resultado le da a este cuadro un aspecto tan enigmático como las ensoñaciones de la propia camarera. Manet coloca incluso un acróbata para acentuar la sensación de ausencia de esta.  Es llamativo la vertical que se produce en el centro de la figura de Suzon recorriendo la cara y el vestido, para que cada uno de sus lados resulte la simetría del otro. La platea que se refleja en el espejo forma una horizontal que divide el cuadro en dos. La barra del bar define otra línea horizontal. Suzon y los detalles que hay en la barra, botellas flores, etc. actuan de elementos de unión entre las zonas del cuadro.

  Las bebidas son de lo mas variadas. Manet  ha querido simbolizar tanto a las clases populares como a las adineradas. El champán, bebida de la alta sociedad, contrasta con la cerveza inglesa marca "Bass -perfectamente identificable por su triangulo rojo en la etiqueta-. En la clientela de este café-concierto convivían los mas adinerados caballeros -como Manet- con los trabajadores y prostitutas en un ambiente de  alegre compañía. El autor aprovecha una de las etiquetas de las botellas para estampar su firma, concretamente la que está en el extremo izquierdo del cuadro.

  Otra cualidad que hay que destacar de Manet son sus negros. Es sabido que a este pintor le gustaba pintar grandes manchas de colores vivos y sensuales pero también sentía pasión por el negro (en claro contraste con los impresionistas de la época que lo eliminaron de sus paletas).

  Por pura lógica, el reflejo de Suzon no debería aparecer en la posición que lo hace. De hecho su postura no coincide con la de la muchacha de mirada ausente. la camarera que refleja Manet conversa con un hombre que se supone se coloca en el plano del espectador. La imagen solo cobra sentido en el plano poético. Quizá se trate de la conversación que la muchacha mantuvo unos instantes antes y sobre la que ahora reflexiona, o qiuzá de la desearía tener con un hombre que la retire de su monótona vida.

  El mundo retratado por Manet enesta pintura es el mismo que aparece en las novelas de Emile Zola, buen amigo de Manet que fué uno de los que llevaron su féretro, junto con otro gran pintor impresionista como Calude Monet

  El artista: Eduard Manet (1832- 1883) Manet nació en el seno de una familia de clase media- alta y en consecuencia no se vió obligado a vnder sus cuadros para ganarse la vida. Fué el centro del ámbito impresionista y gran amigo de Monet y Renoir. Durante toda su carrera fué rechazado como pintor por la Academia que sólo acepto al artista al final de sus días.

Ficha del cuadro: Eduard Manet: El Bar del Folies-Bergere; 1882; 96 X 130 cm.; óleo sobre lienzo; Courtauld institute Galleries, Londres.

M. Cuenca

  Este cuadro es de los más conmovedores en la historia de la pintura. Los franceses, después de que los madrileños se levantaran en armas contra el invasor, se vengaron con saña contra la población con la ejecución de ciento de personas. Goya no pudo registrar los hechos hasta seis años más tarde, cuando Felipe VII ocupó el trono.

  El cuadro tiene una trascendencia histórica y plasma a la perfección dos aspectos del arte de Goya: la capacidad de este para reflejar momentos poderosamente directos, y su sentido moral,  distante pero absolutamente crítico.

  En 1792 una enfermedad dejó a Goya completamente sordo. Esta carencia sensorial agudizó en el pintor de Fuendetodos su capacidad para comprender los gestos. La expresión de la víctima con los brazos en cruz es una arenga de la humanidad contra la violencia y la barbarie, tan actual, por desgracia, en nuestros días. El personaje de rodillas, con las manos en ademán de súplica, parece  indicar que se trata de un fraile. Su presencia recuerda la generalidad de la venganza, ya que muchos inocentes fueron fusilados junto con los insurrectos.

  El cadáver del primer término, en un charco de sangre, repite el gesto de la víctima crucificada. Las expresiones de terror resultan especialmente conmovedoras, el miedo se refleja en sus rostros aterrorizados.

  Observemos también la fuente de luz. La irradiación que produce la camisa blanca de la figura central, viene absorbida del farol de la derecha haciendo que este personaje sea el elemento lumínico más importante. Lógicamente los soldados disparan cerca por la escasez de luz, pero Goya situa a estos prácticamente con los cañones de los fusiles encima de las víctimas, lo que da a la escena un mayor dramatismo si cabe. 

  Tanto desde el punto de vista histórico como estético, Goya nos retrata al antihéroe, cuya muerte se convierte en un llamamiento para combatir la opresión. Los especialistas aseguran que este cuadro es el reverso de "El Juramento de Los Horacios"(1785) de Jacques Louis David, ya que retrata al antihéroe y no al guerrero, contrastando el estilo con el de David con una pintura suelta llena de ambiguedades y sutilezas. Debemos de observar también la postura de los soldados, Goya repite, a la inversa, la de los Horacios.

El autor. Francisco de Goya y Lucientes(1746-1828). Goya nació en Fuendetodos (Zaragoza), su carrera fue lenta y laboriosa,. No pudo ser pintor de cámara hasta los 43 años. Su influencia proviene de Velazquez. Durante la madurez adquiere una soltura y libertad únicas que lo convierten en el precursor del "impresionismo". La enfermedad que sufrió hizo aumentar su sensibilidad por el sufrimiento ajeno, y su obra alcanzó una profunda e incomparabre humanidad de difícil parangón en el arte. Francisco de Goya murió en Burdeos (Francia) y su obra, fecunda y versátil, de total libertad y soltura, no ha dejado de acrecentar la importancia de su figura hasta nuestros días.

M. Cuenca

festivaldelodio: He encontrado en la gueb un blog interesante. Los artículos, en general, son muy buenos y denunciantes de la realidad que vive el autor...pero algunos sobre arte no tienen desperdicio, como "pequeña encuesta", "ezte blo esuna ovra de hartE", "la eterna pregunta"...Creo que son para disfrutar.  Abajo está el enlace o acoplamiento.

Hasta pronto.

http://festivaldelodio.blogspot.com/2005_07_01_archive.html

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Damien Hirst (Bristol, 7 de junio de 1965) es un artista británico.

Biografia

Durante los años de la década de 1990 se constituyó en líder de los "Young British Artists" (o YBAs), Jóvenes Artistas Británicos, dominando el arte británico durante esa década y siendo ampliamente reconocido internacionalmente. Al comienzo de su carrera estuvo muy ligado al importante coleccionista Charles Saatchi, que fue muy responsable de su enorme y rápido éxito con una muy intencionada labor de marketing. Sin embargo en 2003 la relación se rompió completamente por importantes desavenencias entre ambos.

Obra

La muerte es el tema central en su obra, que siempre ha estado rodeada de gran polémica más o menos premeditada y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Su serie de obras más conocida es Natural History en la que distintos animales muertos como un tiburón, una oveja o una vaca son conservados y en ocasiones cortados dentro de tanques de formaldeído. Es también reconocido por sus "spin paintings", realizados sobre una superficie giratoria, y por sus "spot paintings", consistentes en círculos coloreados aleatoriamente.

Su trabajo más icónico y polémico The Physical Impossibility Of Death In the Mind Of Someone Living (Imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo), un enorme tiburón tigre en una vitrina llena de formaldeído, fue vendido en 2004 como la segunda obra más cara de un artista en vida (después de Jasper Johns), alrededor de 10 millones de dólares. Actualmente esa pieza, aún a pesar de su precio, está sufriendo un irreversible proceso de degradación, ya que el tiburón se está descomponiendo.

Wikipedia

• Obras de Damián Hirst (en inglés)

http://www.artchive.com/artchive/H/hirst.html

• Entrevista de Magali tercero en arteven.com

http://magalitercero.arteven.com/e/d_hirst.htm

     Cuando oímos la artamente conocida frase de "esto yo también lo haría" a la vez que se contempla una obra de arte, ese cómico "argumento" se clava como un estilete en el sentimiento de quien ve lo mismo, pero sin los límites de  la arrogancia. Cuando se ve la creación artística después de un proceso de maduración y de reflexión, el "yo también lo haría" simplemente desaparece del crítico cuyuntural al tiempo que va descubriendo su papel en el proceso.

     Si yo propusiera fabricar una rudimentaria banqueta para sentarnos, todos haríamos la nuestra. No tiene ningún misterio. Solo necesitaríamos un poco de tiempo y unos materiales básicos, maderas, clavos, martillo...pero ninguna sería igual. En todas y cada una de ellas estaría la impronta personal de su creador, aportando su riqueza que es la de todos y que también precisa de él,  para existir generacionalmente. Pero ¿quien diseñó el primer asiento? ¿quien pasó de poner sus posaderas en una piedra a ponerlas en el primer asiento fabricado por el hombre?. Seguro que hoy le hubieran otorgado el primer premio en el mas prestigioso certamen internacional de diseño.

     Por ello, cualquier creación, sea del tipo que sea, hay que mirarla mas alla de la mirada. Cuando esto se hace, cuando se entiende, al fin,  que para ver no basta mirar y seguir tu camino, se ven universos totalmente desconocidos antes del hecho de la puesta en común del artista con el receptor.  Esa persona comprende pues que nada es igual, aunque todo esté condicionado. No podemos escapar ni huir del hecho en sí. Al contemplar una obra, nos guste o no, estamos condicionados por ella para bien o para mal.

     Comprenderemos que es imposible copiar. Que aunque estamos condicionados por lo creado, la expresión es mutante como un virus que se transforma en cada ser humano en función de su "yo y circunstancias". Es sumergirse en la vorágine de lo colectivo con su aportación personal y exclusiva, con sus mundos, sus miedos, sus fustraciones, sus vivencias, sus "muertes y resurrecciones"de las diferentes "vidas" de su existencia.

     Solo despues de mucho mirar, uno se da cuenta que también es preciso ver. Así y solo así descubriremos la grandeza del enriquecimiento colectivo que es también el nuestro. Cuando veamos mas allá de una pincelada, de un color, de una textura, o de una banqueta de siete patas descubriremos que hemos comprendido y por lo tanto hemos actuado y tomado parte de esa reivindicación que el artista nos hace. Sin saberlo estamos sentando las bases de una revolución permanente.

Manuel Cuenca

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Gunther Von Hagens

Este anatomista alemán disecciona cadáveres humanos y de animales. Los somete a un tratamiento químico de su invención que se llama “plastinación” para que adquieran una consistencia determinada y hace montajes son ellos que pueden ir desde una especie de escultura hasta escenas con varios elementos.

Para abastecerse de cuerpos montó una “fábrica de momias” en China en la que preparan los cadáveres, algunos, procedentes de reos ajusticiados.

En la actualidad hay un competidor en lo concerniente a la exposición de cadáveres, la empresa Premier Exhibitions, creadora de Bodies: The Exhibition, actualmente abierta en Nueva York.

Para saber más:

• Gunther Von Hagens

http://es.wikipedia.org/wiki/Gunther_von_Hagens

• Plastinación

http://es.wikipedia.org/wiki/Plastinaci%C3%B3n

• “Body wolds”. Exposición con cuerpos plastinizados

http://www.koerperwelten.com/en.html

• La competencia, “Bodies: The exhibition” (con vídeos)

http://www.bodiestheexhibition.com/

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No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.
También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Nacido en Padova en 1960, vive en Nueva York y trabaja en Milán.
Esencialmente autodidacta, su obra bascula entre la escultura y el performance y tiene en el sentido del humor y la trasgresión de los símbolos establecidos sus principales armas de expresión.
El fin de Cattelan es provocar. Enfadarte, divertirte... da igual.
En su individual del MOMA de Nueva York, en 1998, hizo que un actor vestido de Picasso, provisto de una gran careta que caricaturizaba el rostro del pintor, saludara a los visitantes al puro estilo de Disney World; un modo de llamar la atención sobre la inercia mercantil y espectacular del arte contemporáneo. Otra de sus intervenciones sonadas tuvo lugar en 1999 en la galería Anthony d´Offay, donde instaló una réplica del monumento Mail Lin de Washington, en la que sustituyó los nombres de las víctimas de la guerra de Vietnam por las derrotas de la selección inglesa de fútbol; corrosiva broma sobre la gravedad con la que se trata el mundo del fútbol, sobre la proporción y la comparación, sobre las diferentes memorias nacionales.
En “la nona ora”, la escultura muestra a una roca que al caer del cielo, ha roto la ventana y ha golpeado al Papa Juan Pablo II que yace en el suelo sin poder levantarse. La polémica está servida.
Las obras más polémicas son los “niños ahorcados” como el que colgó en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla. Tres de estas esculturas, colgadas de un árbol en Milán, provocaron que un vecino enfurecido trepara al árbol a descolgarlas y acabara en el hospital por una caída…

• Más sobre cattelan y galería

http://www.destino-x.com/artman/publish/cattelan.shtml

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No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra.

Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento sorprendente para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.

Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.

• Fotografías

http://www.flickr.com/search/?q=mueck&z=t

• Entrevista con Ron Mueck publicada en Titerenet

http://www.titerenet.com/2007/03/27/como-construye-sus-figuras-ron-mueck