artecal

El día 11 de septiembre tuvo lugar, en el Salón de Sesiones del Ayuntamiento de Calatorao, el acto homenaje al malogrado compañero Ezequiel, una gran persona y un artista de categoría. En los siguientes enlaces se puede acceder al programa - catálogo que sirvió de base al acto y a la posterior exposición en la Casa de Cultura de Calatorao, abierta desde el 12 al 14 de septiembre con motivo de las fiestas del Santo Cristo; y a la galería de fotografías del evento.

Programa

Acto homenaje y exposición

Para ver los cuadros premiados en el concurso de pintura rápida celebrado en Ricla (Zaragoza).

http://picasaweb.google.es/fjgarciadominguez/VConcursoDePinturaRapidaDeValdejalonRicla#

La quinta edición del concurso de pintura rápida de Valdejalón tendrá lugar en Ricla el día 11 de julio de 2009. Animamos a los artistas para que se acerquen hasta esta hermosa localidad de la comarca de Valdejalón en la provincia de Zaragoza a enseñarnos su forma de trabajar esta especilidad pictórica y pasar un buen día con nosotros. Está organizado por la comarca de Valdejalón, el ayuntamiento de Ricla y CAL.

BASES DEL CONCURSO

No dejará de maravillarnos viajar y dejarnos naufragar por esta página como Ulises en su famoso viaje de vuelta a Itaca.

Esta es la presentación del blog

"En la búsqueda efectuada en bibliotecas digitales de todo el mundo y en webs especializadas, se consiguen en muchas ocasiones libros e imágenes muy interesantes, y que quedan relegadas al olvido para la mayoría, bien por no conocer la manera de acceder a ellas o lo más frecuente porque ni siquiera se conoce su existencia.

Pretendo al respecto mostrar aquí algunas de esas obras e imágenes y remitir al lector a su fuente original para que caso de interesarle el tema, pueda ampliar sus conocimientos.

Todas las sugerencias y críticas constructivas serán bienvenidas, al igual que sus comentarios.

Saludos"

http://www.odisea2008.com/

Me he tomado la libertad de escribir este miniartículo con la dirección de la galería de fotos de nuestra compañera Fabi. No os lo perdais.

http://www.flickr.com/photos/fabiolagil

La intuición es el modo de conocimiento inmediato y, según parece, se opone al razonamiento. El o la artista lo emplea en el plano mas sensible y psicológico en detrimento de su yo mas racional y metafísico. Es decir, si con la lógica se demuestra, con la intuición se inventa. Por ello el artista es mas inventor que otra cosa. Inventor intuitivo de sensaciones, formas y texturas como conceptos artísticos que se crean por el autor, después de ser tamizados en el filtro de sus experiencias, de su inimitable vida, de su mas profunda e inevitable vulnerabilidad artística y personal. Por que cada artista es un espíritu que se agita desde la inquietud, que, como diría Bergson es siempre positiva, pues impulsa a los sujetos a actuar lejos de la indiferencia y la pasividad.

Es la primera impresión que me causa la obra exuberante y volumétricamente atrevida de Vanesa Roncal. Esta licenciada en Bellas Artes, nacida y criada en Epila, tuvo muy claro desde niña que lo suyo, inexorablemente, debía de ser el arte. Después de realizar el bachiller en Zaragoza, la inquieta y joven artista se presentó en Cuenca, ciudad tocada con el influjo de lo artístico, para hacer la carrera y posteriormente, como no, dar clases como profesora de dibujo en la localidad de Illueca.

En su particular visión el "color es mas importante que las formas" según nos cuenta. Pero esto no es del todo cierto pues Vanesa lo que quiere, lo que le mueve quizá, es recalcar esa importancia vital y colorista. Y sin duda lo consigue. Pero cuando uno observa sus pinturas éstas tienen unas formas cuidadas y una armonía innata y preestablecida. Busca, quizá sin quererlo, la perfección entre el alma y el cuerpo del cuadro. Todo o casi todo está medido desde esa intuición a la que nos referimos al principio, o lo que es lo mismo, Vanesa buscando o trabajando el color, encuentra la forma precisa. Sus composiciones rebosan positivismo e incluso, como por ejemplo y curiosamente en alguno de sus mosaicos se encuentra una simbología numérico-musical, ya que utiliza composiciones de siete veces siete (49), números que definen las notas recogidas en una frase musical.

Para presentarnos ese color lo hace en la bandeja de lo estético, de lo amplio, de lo espacioso, desde unas flores que irradian no su color, si no el color elegido por Vanesa para destacar su impronta cromática viva y positiva. Solo así expresa su concepto y sus ideas de la vida, donde nada es oscuro, nada es negativo. Desde su afición y su amor por la pintura, nos manifiesta que se siente transportada a sus momentos más íntimos, más relajantes y expresivos de su mundo interior y los pone en común con el espectador valientemente y con decisión. Sin miedo a que el resultado final defraude, pues se mueve en un ambiente que conoce y domina. Y eso se nota y se vive en su obra a la primera impresión produciendo un fuerte impacto visual, provocando que los sentidos adquieran una mayor sutileza desde la naturaleza simple pero a la vez bella y noble, de una flor. Este es un elemento que utiliza asiduamente y que resuelve sin dificultad. Se siente que a Vanesa le encanta pintar y es algo que no solo se ve en sus cuadros, si no que cuando hablas con ella de pintura lo hace con una ilusión y credibilidad grata y contagiante.

Vanesa Roncal tiene mucho que aportar a la pintura, por su juventud, por su interés por el color, pero también por lo estético, por lo bien hecho y por las inquietudes y enormes ganas de trabajar por y para el arte. Pero también por que esta pintora dispone de grandes dosis de esa intuición creativa tan necesaria, de esa simpatía y empatía con el objeto y el color elegido para sus composiciones. Quiere experimentar e investigar en el mundo del arte en la medida de lo posible, para percibir nuevas sensaciones y ponerlas en común. En definitiva, el resultado de lo que haga artísticamente no nos dejara escépticos ni displicentes, si no todo lo contrario.

CAL

Concha Romero

Todos exploramos nuestro mundo personal. Todos sentimos la necesidad de hacernos preguntas sobre nosotros mismos y sufrimos ese delirio interior cuando nos enfrentamos a la realidad única e irrepetible de nuestra existencia. Y en ocasiones ese ejercicio interior se exterioriza con la idea de una puesta en común, como buscando una coartada, en la medida que se comparte con los demás. Para Concha Romero esa es la motivación. Necesita transmitir sus emociones con los pinceles y la paleta. Confiesa que "pintar es buscar la paz" y mientras la encuentra pintando, sin duda, reflexiona sobre si misma y desde ahí, encontrar su esencia absoluta y la transfiguración necesaria de un resurgir con mas ganas de vivir en el siguiente proceso. Por que quien tiene necesidad de transmitir creando, aunque resulte paradójico, también sufre. Pero sabiendo que ese sufrimiento, a veces placentero, abrirá la puerta a un nuevo proceso para convertirse en un ser mas curtido, mas maduro y, por que no, mas sabio después de esa puesta en común.

Quizá por ello Concha necesite de un ambiente propicio para pintar. Se evade del mundo terrenal para meterse en su otro mundo, el mas personal e íntimo y encontrar esas respuestas imposibles, a solas, con sus pinceles autodidactas y sus vivencias , plasmándolas en el lienzo de manera irreversible e incondicional, sin medias verdades que enturbien el objetivo de llegar, de transmitir lo que vive y siente. Y para ello, curiosamente, le resulte vital mirar espacios abiertos, caminos que llevan a lugares que existen, o no. Que mas da. Y se soporta en la naturaleza mas inmediata, del paisaje donde reside desde hace años, con sus olivos, recios, serios, imbricados en la dureza de un clima extremo, que les deporta mas prestigio ancestral si cabe, en su condición de árbol generoso y noble. O nos sorprende, en un requiebro de cambio radical de elemento figurativo, pintando una buena colección de flores. Quizá en busca de esa belleza interior que cualquier ser humano y sensible persigue.

Concha Romero tiene 48 años y apareció en el mundo de la pintura allá por el año 1980, casi por casualidad. Lo suyo siempre había sido la música. Por ello ahora la necesita mientras pinta. Sus padres se dedicaban a ese mundo "yendo de acá para allá con una orquesta", nos comenta con la nostalgia que produce el recuerdo de la infancia. La misma Concha fue cantante durante años y cuando quedó embarazada de su hijo "ante esa parada obligada, había que llenar la hiperactividad que llevaba y me decidí por la pintura". Y se tiró a tumba abierta. Sin academias ni profesores y empezó a pintar lo que le apetecía, descubriendo que era un excelente terapia "que recomiendo a cualquier persona que sienta la necesidad de hacer algo que le relaje, que le reporte esa paz que me reporta a mi" según nos cuenta no sin un cierto chispeo de brillante satisfacción en sus ojos. Su profesora ha sido ella misma. Lo que se conoce como ser "autodidacta". Pero ser autodidacta no significa "no saber". No significa que los resultados sean malos por no haber tenido una formación pictórica. Lo mismo que uno no es pianista por tener un piano, pero puede aprender a tocarlo, sin desentonar, a su manera. Los resultados de la pintura de Concha no son estridentes, no chirrían -si se me permite el término- por no ser academicista, si no que vistos con ojos asépticos, desinteresados, el resultado siempre es admitido. Por que haga lo que haga esta pintora nacida en Domeño (Valencia) y afincada en La Muela, lo hace desde la convicción mas profunda de comunicar para compartir su yo mas sincero, exponiéndolo de una forma sutil y agradable. Por que ella no pinta para ganarse la vida, si no que lo hace para sentirse bien. Para encontrarse con ella misma. Y para ello se han de dar las condiciones necesarias, incluida la del resultado final. Si no, Concha no estará satisfecha con ella misma y por ello esa "insatisfacción" en el resultado no será puesta en común.

CAL

Para los amantes del humor negro o para los que se toman la vida con filosofía. Aunque en este enlace hay unas cuantas viñetas, recomiendo, que si se puede, se compre el libro, aunque solo sea en agradecimiento al autor por su derroche de talento. Los que no se sientan algo frikis que no sigan,,,

http://biboz.net/bunny-suicides/

Playauditorium es un juego donde se van creando unas esculturas de luz, al tiempo que se intenta activar unos cuadrados que emiten música. Hay muchos niveles aunque la versión de esta página es un "demo" pero con capacidad suficiente para retar y sorprender al que se atreva a entrar. La versión completa es de pago. Adelante.

http://www.playauditorium.com

Estimados colegas. A ver si nos animamos y seguimos los pasos de estos pintores gallegos.

http://www.grupo-niebla.blogspot.com/

Playing For Change: Song Around the World | Stand By Me from Concord Music Group on Vimeo.

Aunque escribir en este blog parece predicar en el desierto, voy a publicar esta entrada por si alguien lo ve.

Richard Howe es un fotógrafo que entre marzo y noviembre de 2006 hizo 11.000 fotografías, con todas las esquinas de Manhattan. Unas dicen más que otras pero el ver las fachadas, anuncios, establecimientos, etc y sobre todo a la gente normal en actitudes normales transmite algo sobre el alma de la ciudad. Incito a sumergirse en la página aunque venga en inglés...

http://www.richardhowe.net/zMSC/index-msc.html

 José Antonio Ripa Sanz.

     La Heráldica  es la ciencia sobre el estudio de las armerías o de las armas. Es también un campo de expresión artística, un elemento del derecho medieval y de las dinastías reales hasta nuestros días. Más recientemente, ha sido admitida dentro de las ciencias anexas de la historia. Se desarrolló como un sistema  de identificación, no solamente de personas, sino también como parte de linajes (el blasón pudiendo ser transmitido por herencia, traduciendo el grado de parentesco) y de colectivos humanos, además de ser un sistema emblemático y único en un tiempo en el que el reconocimiento y la identificación pasaba raramente por un documento escrito. Todavía hay quien sabe conjugar esa ciencia y ese aspecto artístico. En Épila existe un claro exponente de lo que estamos diciendo.

   José Antonio Ripa  se dedica desde hace años a combinar la investigación rigurosa de la heráldica, con su buen hacer en el diseño y la concienzuda elaboración de sus blasones. Es un hombre meticuloso, la creación heráldica no permite fallos, hay que ceñirse a las reglas, a sus colores, a sus formas,  a su vocabulario, su gramática y su semántica. Ripa hace de ello  un deporte mental consistente en describir en sus justos términos figuras variadas y originales, cuya legitimidad descansa en ser fiel a un concepto heráldico. La composición se apoya en una parte de la genealogía de su titular,  pero en sus orígenes “había mucho de vanidad”,  según nos dice José Antonio, por parte de los titulares que en las épocas medievales encargaban sus escudos. Pero de lo que no cabe duda es del legado histórico que nos han  dejado, teniendo incluso hoy día mucha aceptación e interés, en lo que respecta a los orígenes de nuestros apellidos,  sean nobles o no.

  Pero José Antonio no se mueve solo en esos parámetros de la heráldica, faltaría mas. Es una persona inquieta y con ganas de hacer cosas. El aburrimiento, es una palabra que no se conoce en su taller, donde se combinan diversas actividades artísticas, como la restauración o la plástica sobre vidrio. José Antonio, en gran medida se siente  restaurador. Es una persona habitual en los rastros y mercadillos, donde esta a gusto detectando vestigios de pasados, mas o menos remotos, para llevarlos a su taller y  renovarles su antiguo esplendor,  con maestría, con paciencia y con la inestimable ayuda de Begoña, su mujer, que se convierte en complemento ideal y colaboradora incansable de su quehacer artístico. No hay antigüedad que se le resista. Cuando trabaja un mueble, una silla, una mesa, o la peana de la Virgen de Rodanas,  lo hace con vehemencia y consciente de la responsabilidad que conlleva el recuperar un elemento que hicieron otros maestros, para hacerlos renacer, para darles una nueva posibilidad de existencia,  para uso y deleite de generaciones presentes y futuras, a la vez que mientras recupera ese objeto, recupera también, en parte, el alma del artesano o del artista que en su día lo creó. Por ello,  José Antonio se muestra imperturbable y serio cuando habla de restauración. Para el, no es un asunto baladí. Entiende la restauración no como el rescate de un elemento decorativo que queda bien en una casa, si no como algo que el tiempo, el uso, o incluso la barbarie, deterioró y a lo que hay que devolver su  “esencia y alma” en la medida de lo posible.

     Por otro lado,  cuando nos muestra algún ejemplo de sus trabajos sobre vidrio, vemos que consigue, con esta técnica depurada y difícil, darle un toque especial a cualquier rincón, a cualquier dependencia, aportándole privacidad y personalidad allí donde se depositan. Puesto que con esta técnica, José Antonio logra armonizar, con sensibilidad,  la luz  tamizada por el cristal, con el color  en las proporciones necesarias, para conseguir esos objetivos de armonía artística y  ambiental.

Para disfrutar del sabor que tienen esas imágenes tan evocadoras, aunque sean de otra tierra...Para aficionados a la fotografía y gente con sensibilidad en general...

http://www.flickr.com/photos/library_of_congress/

José Manuel Remiro. Sensaciones más que miradas.

Cuando la fotografía se inventó, el hecho de ver reflejado en un papel un instante, objeto o acontecimiento, dejaba a la gente perpleja. Esa visión “milagrosa” que representaba la capacidad de crear por el hombre un mundo ilusorio tan convincente como la propia realidad resultaba  algo sobrenatural. Por primera vez en la historia de la humanidad se podía recoger el pasado no por la palabra, la escritura o la pintura, si no a través de una fiel copia de la realidad. La imagen fotográfica estaba destinada a convertirse en un nuevo exponente de la memoria colectiva, significaba un nuevo lenguaje y un nuevo tipo de comunicación. Con el tiempo la fotografía quiso ir mas allá del mero reflejo del instante y ser creativa. El fotógrafo artístico quiere darle su sentido a la fotografía y generar la imagen tal y como le gustaría que fuera.

  Quizá por ello a José Manuel Remiro le sedujo la fotografía desde niño. Sus primeras fotos las hacía con  la cámara de su padre siempre que podía. Ello le sirvió para plasmar sus primeras instantáneas. A partir de ahí ya vendría su propia cámara, su interés mas profundo por la fotografía, sus cursos en Spectrum, sus cavilaciones artísticas y la asunción de recursos de todo tipo que necesita una mente creativa e inquieta  como la de  cualquier artista en cualquier modalidad. Por que la fotografía es un arte si, pero la fotografía para que sea arte ha de tener unas premisas. Hoy día una de las técnicas mas democratizadas el la de la fotografía. Cualquiera, en un país desarrollado,  tiene una o incluso varias cámaras fotográficas con las que hacer miles de fotos, pero cuando una imagen se conceptualiza desde una intención artística deja de ser una simple imagen para adquirir otra dimensión diferente a lo meramente anecdótico o histórico. Desde el momento en que a José Manuel le entró el misterioso influjo de la sensibilidad,  ha tratado de indagar en lo sugerente. Desde su objetivo quiere plasmar sensaciones mas que imágenes, comunicación mas que mensaje. Como un feed-back entre el elemento fotografiado, el espectador y él mismo para establecer una armonía comunicativa que vaya mas allá de lo estrictamente visual. Para ello, este fotógrafo nacido en Zaragoza y afincado en Épila,  utiliza las armas del blanco y negro con sus infinitos matices intermedios,  para que el espectador no solo “mire” si no que también “perciba” y así  invitarnos a que además de la vista, estén inmersos el resto de nuestros sentidos para  conformar una “mirada” mas que una “visión”. Por que para José Manuel la fotografía va mas allá de lo meramente visual, por ello sus retratos intentan seguir la estela de lo íntimo y personal, de la complicidad con el modelo, al objeto de conseguir la mejor puesta en escena posible y la máxima transmisión hacia quienes contemplemos sus obras, que no se limitan a ser una realidad aislada y detenida en el tiempo si no un elemento de reflexión e interpretación.  Y juega con fragmentos de sus modelos pasados a papel,  para conseguir un resultado mas esquemático,  pero a la vez mas centrado y directo y transmitir la máxima relación perceptiva. Y en verdad lo consigue, pues sus retratos, de gente conocida o no, tienen la impronta del misterio descifrado al libre albedrío del espectador, dándonos a cada uno de sus receptores un universo de sensaciones a las que adherirnos.

  José Manuel es un hombre tranquilo, un buscador de lo bello pero sin alarmismos, sin estridencias, sin nervios que le erosionen sus conceptos fotográficos y creo también que humanos Cuando habla de fotografía se pone en situación, reflexiona y habla con la seguridad de conocer lo que te gusta. Y la defiende desde el punto de vista artístico como un medio que transmite sensaciones tanto como el que mas. La reivindica y reclama como medio de expresión de primer orden,  pero siendo consciente de que para conseguir esos fines  no vale cualquier cosa que no sea el trabajo meditado y bien hecho. Hoy nadie se queda perplejo por ver una foto, pero nos quedamos admirados cuando esa foto nos transmite sensaciones que van mas allá de lo estrictamente visual. Y José Manuel Remiro lo consigue.    .

CAL

No te pierdas (mejor, piérdete sin preocupación del tiempo en) las secciones del blog de este ilustrador zaragozano.

http://davidblogcartoon.blogspot.com/

No están todos los que son, pero si son todos los que están. Una muestra muy intertesante por la calidad artística de muchas imágenes y el poder evocador de la publicidad. Lástima que no se explique el origen y la génesis de estos iconos, aunque, al menos, indican la colección de procedencia.

Estos contenidos son parte de la exposición Signos del Siglo. 100 años de Diseño Gráfico en España que, organizada y producida por la Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño y la Innovación – DDI, fue inaugurada en marzo de 2000 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Si esto no es "casual art" que venga no se quién y lo diga.

Esta galería recoge un montón de fotografías de lo que dice el título de la entrada.

¿Sabemos lo que es cada cosa?. ¿Cómo ha llegado allí?. ¿De donde procede?. ¿Qué nos sugiere?...

A mi me han llamado mucho la atención

Galería de fotografías de FLICKR

 La realidad de los elementos cotidianos e identificables a primera vista, de lo perfectamente visual, es transformado por el artista y la relativiza. Esos elementos son ignorados conscientemente en su esencia, para ser introducidos en un nuevo orden, en un nuevo mundo sensorial que aunque conservando alguna referencia a la integridad de los objetos que transcribe, los armoniza mejor entre sí, con otras formas, con otros matices o con otros  colores.

El joven e inquieto Daniel Pinilla se mueve con valentía en ese modo de abstraer lo banal y convertirlo en otra realidad visual. Para el lo patente se convierte en una abstracción “reconocible” pero sacada del tedio natural, de su vulgaridad cotidiana, para dedicarle una consideración mas armoniosa, mas romántica, mas poética y logra otorgarles un destino no preconcebido, diferente y  único.

Para Daniel el trazo es la excusa perfecta para realizar grabados en los que la técnica juega un papel fundamental. Con éste método ancestral  dota de un nuevo sentido a los motivos de su obra. El grabado es una disciplina artística que exige gran conocimiento y pericia. En esta técnica las prisas no tienen cabida  y este joven artista de Morata de Jalón, como buen conocedor de la Historia del Arte, elige los elementos con estructura  y vida propia y los dispone a su modo y a su orden para expresar, no un mundo real, si no descripciones de lo transmutado, de lo soñado en el propio mundo que el artista inventa con la plancha. Y nos transporta hacia su mundo, desde su obra,  en un juego de títulos y formas para ofrecernos las claves de su sentido, donde el ser humano juega un papel fundamental pero en contraposición, o en armonía con “el otro”. En su obra titulada “deseo de desenlace” se ve a simple vista la dualidad del ser humano. ¿De qué desenlace estamos hablando? De un ser con respecto así mismo o con respecto a otro. En su obra titulada “mater” ¿por qué es una maternidad colectiva? En “la realidad de un sueño” ¿ por qué ésta representación onírica también es colectiva? En su trilogía “pareja”,  desde su título está todo dicho. Lo que nos transmite, en definitiva, este joven artista es su inquietud por el ser humano, es la necesidad vital que tenemos de interrelación con el “otro” para bien o para mal, y me hace recordar una frase de Hannah Arendt donde señala que, “ninguna clase de vida, ni siquiera la del ermitaño, resulta posible sin un mundo que directa o indirectamente testifica la presencia de otros seres humanos” Y nos invita a una reflexión sobre este concepto, por que en sus dibujos, grabados y pinturas esa interrelación es difusa con el objeto  de ponernos en bandeja nuestra elección, en un abanico de infinitas posibilidades que van desde lo armonioso a lo caótico. En cualquier caso, el hombre es un ser de naturaleza colectiva. Encontramos en ello la sociabilidad, la racionalidad y la libertad como pros. Pero Daniel, en una misma jugada, da la sensación de que también nos quiere mostrar sus contras. 

 Desde el punto de vista puramente artístico, Daniel también se expresa con la pintura y con la fotografía, pero se siente, de momento, más grabador que otra cosa ¿Por qué esta técnica mas que las otras? Quién sabe. A veces el artista también se siente atraído por lo difícil y se reta así mismo. En el grabado a diferencia de otras disciplinas como el dibujo o la pintura es mas difícil cambiar,. No hay marcha atrás, hay que reflexionar mucho antes de dar el paso definitivo por que una plancha no se puede borrar. Hace falta una conjunción de habilidades así como una atención e interés extremo para conseguir buenos resultados y Daniel, sin duda, está en esa línea.

CAL