Para los amantes del humor negro o para los que se toman la vida con filosofía. Aunque en este enlace hay unas cuantas viñetas, recomiendo, que si se puede, se compre el libro, aunque solo sea en agradecimiento al autor por su derroche de talento. Los que no se sientan algo frikis que no sigan,,,
http://biboz.net/bunny-suicides/
Playauditorium es un juego donde se van creando unas esculturas de luz, al tiempo que se intenta activar unos cuadrados que emiten música. Hay muchos niveles aunque la versión de esta página es un "demo" pero con capacidad suficiente para retar y sorprender al que se atreva a entrar. La versión completa es de pago. Adelante.
Estimados colegas. A ver si nos animamos y seguimos los pasos de estos pintores gallegos.
http://www.grupo-niebla.blogspot.com/
Aunque escribir en este blog parece predicar en el desierto, voy a publicar esta entrada por si alguien lo ve.
Richard Howe es un fotógrafo que entre marzo y noviembre de 2006 hizo 11.000 fotografías, con todas las esquinas de Manhattan. Unas dicen más que otras pero el ver las fachadas, anuncios, establecimientos, etc y sobre todo a la gente normal en actitudes normales transmite algo sobre el alma de la ciudad. Incito a sumergirse en la página aunque venga en inglés...
http://www.richardhowe.net/zMSC/index-msc.html
José Antonio Ripa Sanz.
La Heráldica es la ciencia sobre el estudio de las armerías o de las armas. Es también un campo de expresión artística, un elemento del derecho medieval y de las dinastías reales hasta nuestros días. Más recientemente, ha sido admitida dentro de las ciencias anexas de la historia. Se desarrolló como un sistema de identificación, no solamente de personas, sino también como parte de linajes (el blasón pudiendo ser transmitido por herencia, traduciendo el grado de parentesco) y de colectivos humanos, además de ser un sistema emblemático y único en un tiempo en el que el reconocimiento y la identificación pasaba raramente por un documento escrito. Todavía hay quien sabe conjugar esa ciencia y ese aspecto artístico. En Épila existe un claro exponente de lo que estamos diciendo.
José Antonio Ripa se dedica desde hace años a combinar la investigación rigurosa de la heráldica, con su buen hacer en el diseño y la concienzuda elaboración de sus blasones. Es un hombre meticuloso, la creación heráldica no permite fallos, hay que ceñirse a las reglas, a sus colores, a sus formas, a su vocabulario, su gramática y su semántica. Ripa hace de ello un deporte mental consistente en describir en sus justos términos figuras variadas y originales, cuya legitimidad descansa en ser fiel a un concepto heráldico. La composición se apoya en una parte de la genealogía de su titular, pero en sus orígenes “había mucho de vanidad”, según nos dice José Antonio, por parte de los titulares que en las épocas medievales encargaban sus escudos. Pero de lo que no cabe duda es del legado histórico que nos han dejado, teniendo incluso hoy día mucha aceptación e interés, en lo que respecta a los orígenes de nuestros apellidos, sean nobles o no.
Pero José Antonio no se mueve solo en esos parámetros de la heráldica, faltaría mas. Es una persona inquieta y con ganas de hacer cosas. El aburrimiento, es una palabra que no se conoce en su taller, donde se combinan diversas actividades artísticas, como la restauración o la plástica sobre vidrio. José Antonio, en gran medida se siente restaurador. Es una persona habitual en los rastros y mercadillos, donde esta a gusto detectando vestigios de pasados, mas o menos remotos, para llevarlos a su taller y renovarles su antiguo esplendor, con maestría, con paciencia y con la inestimable ayuda de Begoña, su mujer, que se convierte en complemento ideal y colaboradora incansable de su quehacer artístico. No hay antigüedad que se le resista. Cuando trabaja un mueble, una silla, una mesa, o la peana de la Virgen de Rodanas, lo hace con vehemencia y consciente de la responsabilidad que conlleva el recuperar un elemento que hicieron otros maestros, para hacerlos renacer, para darles una nueva posibilidad de existencia, para uso y deleite de generaciones presentes y futuras, a la vez que mientras recupera ese objeto, recupera también, en parte, el alma del artesano o del artista que en su día lo creó. Por ello, José Antonio se muestra imperturbable y serio cuando habla de restauración. Para el, no es un asunto baladí. Entiende la restauración no como el rescate de un elemento decorativo que queda bien en una casa, si no como algo que el tiempo, el uso, o incluso la barbarie, deterioró y a lo que hay que devolver su “esencia y alma” en la medida de lo posible.
Por otro lado, cuando nos muestra algún ejemplo de sus trabajos sobre vidrio, vemos que consigue, con esta técnica depurada y difícil, darle un toque especial a cualquier rincón, a cualquier dependencia, aportándole privacidad y personalidad allí donde se depositan. Puesto que con esta técnica, José Antonio logra armonizar, con sensibilidad, la luz tamizada por el cristal, con el color en las proporciones necesarias, para conseguir esos objetivos de armonía artística y ambiental.
Para disfrutar del sabor que tienen esas imágenes tan evocadoras, aunque sean de otra tierra...Para aficionados a la fotografía y gente con sensibilidad en general...
José Manuel Remiro. Sensaciones más que miradas. Cuando la fotografía se inventó, el hecho de ver reflejado en un papel un instante, objeto o acontecimiento, dejaba a la gente perpleja. Esa visión “milagrosa” que representaba la capacidad de crear por el hombre un mundo ilusorio tan convincente como la propia realidad resultaba algo sobrenatural. Por primera vez en la historia de la humanidad se podía recoger el pasado no por la palabra, la escritura o la pintura, si no a través de una fiel copia de la realidad. La imagen fotográfica estaba destinada a convertirse en un nuevo exponente de la memoria colectiva, significaba un nuevo lenguaje y un nuevo tipo de comunicación. Con el tiempo la fotografía quiso ir mas allá del mero reflejo del instante y ser creativa. El fotógrafo artístico quiere darle su sentido a la fotografía y generar la imagen tal y como le gustaría que fuera. Quizá por ello a José Manuel Remiro le sedujo la fotografía desde niño. Sus primeras fotos las hacía con la cámara de su padre siempre que podía. Ello le sirvió para plasmar sus primeras instantáneas. A partir de ahí ya vendría su propia cámara, su interés mas profundo por la fotografía, sus cursos en Spectrum, sus cavilaciones artísticas y la asunción de recursos de todo tipo que necesita una mente creativa e inquieta como la de cualquier artista en cualquier modalidad. Por que la fotografía es un arte si, pero la fotografía para que sea arte ha de tener unas premisas. Hoy día una de las técnicas mas democratizadas el la de la fotografía. Cualquiera, en un país desarrollado, tiene una o incluso varias cámaras fotográficas con las que hacer miles de fotos, pero cuando una imagen se conceptualiza desde una intención artística deja de ser una simple imagen para adquirir otra dimensión diferente a lo meramente anecdótico o histórico. Desde el momento en que a José Manuel le entró el misterioso influjo de la sensibilidad, ha tratado de indagar en lo sugerente. Desde su objetivo quiere plasmar sensaciones mas que imágenes, comunicación mas que mensaje. Como un feed-back entre el elemento fotografiado, el espectador y él mismo para establecer una armonía comunicativa que vaya mas allá de lo estrictamente visual. Para ello, este fotógrafo nacido en Zaragoza y afincado en Épila, utiliza las armas del blanco y negro con sus infinitos matices intermedios, para que el espectador no solo “mire” si no que también “perciba” y así invitarnos a que además de la vista, estén inmersos el resto de nuestros sentidos para conformar una “mirada” mas que una “visión”. Por que para José Manuel la fotografía va mas allá de lo meramente visual, por ello sus retratos intentan seguir la estela de lo íntimo y personal, de la complicidad con el modelo, al objeto de conseguir la mejor puesta en escena posible y la máxima transmisión hacia quienes contemplemos sus obras, que no se limitan a ser una realidad aislada y detenida en el tiempo si no un elemento de reflexión e interpretación. Y juega con fragmentos de sus modelos pasados a papel, para conseguir un resultado mas esquemático, pero a la vez mas centrado y directo y transmitir la máxima relación perceptiva. Y en verdad lo consigue, pues sus retratos, de gente conocida o no, tienen la impronta del misterio descifrado al libre albedrío del espectador, dándonos a cada uno de sus receptores un universo de sensaciones a las que adherirnos. José Manuel es un hombre tranquilo, un buscador de lo bello pero sin alarmismos, sin estridencias, sin nervios que le erosionen sus conceptos fotográficos y creo también que humanos Cuando habla de fotografía se pone en situación, reflexiona y habla con la seguridad de conocer lo que te gusta. Y la defiende desde el punto de vista artístico como un medio que transmite sensaciones tanto como el que mas. La reivindica y reclama como medio de expresión de primer orden, pero siendo consciente de que para conseguir esos fines no vale cualquier cosa que no sea el trabajo meditado y bien hecho. Hoy nadie se queda perplejo por ver una foto, pero nos quedamos admirados cuando esa foto nos transmite sensaciones que van mas allá de lo estrictamente visual. Y José Manuel Remiro lo consigue. . CAL
No te pierdas (mejor, piérdete sin preocupación del tiempo en) las secciones del blog de este ilustrador zaragozano.
No están todos los que son, pero si son todos los que están. Una muestra muy intertesante por la calidad artística de muchas imágenes y el poder evocador de la publicidad. Lástima que no se explique el origen y la génesis de estos iconos, aunque, al menos, indican la colección de procedencia.
Estos contenidos son parte de la exposición Signos del Siglo. 100 años de Diseño Gráfico en España que, organizada y producida por la Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño y la Innovación – DDI, fue inaugurada en marzo de 2000 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Si esto no es "casual art" que venga no se quién y lo diga.
Esta galería recoge un montón de fotografías de lo que dice el título de la entrada.
¿Sabemos lo que es cada cosa?. ¿Cómo ha llegado allí?. ¿De donde procede?. ¿Qué nos sugiere?...
A mi me han llamado mucho la atención
La realidad de los elementos cotidianos e identificables a primera vista, de lo perfectamente visual, es transformado por el artista y la relativiza. Esos elementos son ignorados conscientemente en su esencia, para ser introducidos en un nuevo orden, en un nuevo mundo sensorial que aunque conservando alguna referencia a la integridad de los objetos que transcribe, los armoniza mejor entre sí, con otras formas, con otros matices o con otros colores.
El joven e inquieto Daniel Pinilla se mueve con valentía en ese modo de abstraer lo banal y convertirlo en otra realidad visual. Para el lo patente se convierte en una abstracción “reconocible” pero sacada del tedio natural, de su vulgaridad cotidiana, para dedicarle una consideración mas armoniosa, mas romántica, mas poética y logra otorgarles un destino no preconcebido, diferente y único.
Para Daniel el trazo es la excusa perfecta para realizar grabados en los que la técnica juega un papel fundamental. Con éste método ancestral dota de un nuevo sentido a los motivos de su obra. El grabado es una disciplina artística que exige gran conocimiento y pericia. En esta técnica las prisas no tienen cabida y este joven artista de Morata de Jalón, como buen conocedor de la Historia del Arte, elige los elementos con estructura y vida propia y los dispone a su modo y a su orden para expresar, no un mundo real, si no descripciones de lo transmutado, de lo soñado en el propio mundo que el artista inventa con la plancha. Y nos transporta hacia su mundo, desde su obra, en un juego de títulos y formas para ofrecernos las claves de su sentido, donde el ser humano juega un papel fundamental pero en contraposición, o en armonía con “el otro”. En su obra titulada “deseo de desenlace” se ve a simple vista la dualidad del ser humano. ¿De qué desenlace estamos hablando? De un ser con respecto así mismo o con respecto a otro. En su obra titulada “mater” ¿por qué es una maternidad colectiva? En “la realidad de un sueño” ¿ por qué ésta representación onírica también es colectiva? En su trilogía “pareja”, desde su título está todo dicho. Lo que nos transmite, en definitiva, este joven artista es su inquietud por el ser humano, es la necesidad vital que tenemos de interrelación con el “otro” para bien o para mal, y me hace recordar una frase de Hannah Arendt donde señala que, “ninguna clase de vida, ni siquiera la del ermitaño, resulta posible sin un mundo que directa o indirectamente testifica la presencia de otros seres humanos” Y nos invita a una reflexión sobre este concepto, por que en sus dibujos, grabados y pinturas esa interrelación es difusa con el objeto de ponernos en bandeja nuestra elección, en un abanico de infinitas posibilidades que van desde lo armonioso a lo caótico. En cualquier caso, el hombre es un ser de naturaleza colectiva. Encontramos en ello la sociabilidad, la racionalidad y la libertad como pros. Pero Daniel, en una misma jugada, da la sensación de que también nos quiere mostrar sus contras.
Desde el punto de vista puramente artístico, Daniel también se expresa con la pintura y con la fotografía, pero se siente, de momento, más grabador que otra cosa ¿Por qué esta técnica mas que las otras? Quién sabe. A veces el artista también se siente atraído por lo difícil y se reta así mismo. En el grabado a diferencia de otras disciplinas como el dibujo o la pintura es mas difícil cambiar,. No hay marcha atrás, hay que reflexionar mucho antes de dar el paso definitivo por que una plancha no se puede borrar. Hace falta una conjunción de habilidades así como una atención e interés extremo para conseguir buenos resultados y Daniel, sin duda, está en esa línea.
CAL
Entramos en su casa y desde ese mismo instante se visualizan cuadros por doquier. Los motivos son variados pero predominan los que tienen que ver con lo “afro”. Quizá lo africano es lo que más se identifica con los colores que a esta aficionada pintora le gustan. Rojos combinados con azules y amarillos fuertemente contrastados con negro, se eligen para destacar, como elementos aparentes los motivos variados y sencillos que Begoña elige, casi al azar, para justificar su entretenimiento. Por que la pintura para ella es eso, entretenimiento, evasión y relax. Para Begoña Pérez, el color es el matiz que identifica como propia, cada una de sus obras. El color está respaldado por una generosa aportación de materia y todo ello, enmarcado dentro de la figuración, con toda la amplitud que tiene este concepto. Se trata, en definitiva, de una pintura sencilla, hecha desde la honestidad de quién disfruta pintando sin mayores preocupaciones. Por que no hay que ser un artista, en el mas amplio, ni en el mas reducido sentido de la palabra, para disfrutar de la pintura. No hay que torturarse por el resultado ni hay que estar pendiente de si se hacen o no exposiciones. Simplemente pintar por el placer de pintar y después colgarlo en la pared de tu casa. Eso es lo que hace Begoña en sus ratos libres. En los momentos de evasión que le permiten sus abejas –ella es apicultora- , su familia, su casa.....ahí esta, montando y desmontando su caballete y colocando sus pinturas en la paleta. Como queriendo reivindicar un espacio físico y mental que le permitan evadirse por unos momentos del mundo patente, para introducirse en su mundo mas interior, mas reflexivo, mas espiritual y sentirse creativa a su manera y a su modo. Sin querer demostrar nada ni a nadie. Sin necesidad de justificaciones por el resultado ni someterse inquisitorialmente a ningún crítico insaciable. Seguimos el recorrido de su pequeño museo hogareño, de su realidad artística y encontramos, en un lugar privilegiado de su casa, dos cuadros de tamaño mediano-grande de los que Begoña está personalmente mas orgullosa. Son dos lienzos hechos al albor del recuerdo de su infancia, de su pueblo: Ricla; de sus rincones mas inmediatos; de los lugares donde corría de niña, que son los mismos en los que ahora hace su vida, con su familia, su trabajo, sus amigos y su entorno mas cercano. Lugares donde la relación espacio tiempo se confunden, se mezclan, para plasmarlos en unos paisajes urbanos llenos de recuerdos infantiles y fusionarlos con la animosidad de un presente para dejar huella y constancia de quien los pintó.
Begoña reconoce que esto de pintar “le vino tarde”. Tiene 43 años y recuerda con claridad el año 2000 cuando sintió la necesidad por casualidad y lamenta no haber empezado antes. No por haber pintado mas, no por haber hecho mas obra. Si no por que habría encontrado antes la terapia que ella buscaba. A veces uno siente la necesidad de expresarse mas con la pintura que con palabras. El lenguaje de las imágenes a veces es mas elocuente que el de las palabras y con una simple pincelada, con un simple trazo, se pueden decir muchas cosas, a la vez que te relaja y te distrae.
Y Begoña se introduce en el mundo del arte para reclamar, sin pedirlo, su derecho. El de que a su modo y desde su humildad pictórica -que no humana- , ser tenida en cuenta como una persona que tiene algo que transmitir y solicita nuestra atención, por si queremos compartir una parte de sus sentimientos y experiencias que nos transmite pintados de una manera libre, sin complejos ni reglas.
CAL
IV CONCURSO DE PINTURA RÁPIDA COMARCA DE VALDEJALON
La Comarca de Valdejalón, conjuntamente con el Ayuntamiento de La Almunia de Doña Godina y CAL (Colectivo de Artistas de Valdejalón), organiza el “IV Concurso de Pintura Rápida de Valdejalón” que se celebrará el día 13 de Septiembre (sábado) en la localidad de La Almunia de Doña Godina (Zaragoza).
Con este concurso se pretende dar a conocer nuestros pueblos y paisajes entre los artistas y la difusión pública de las obras realizadas por los mismos, así como el disfrute del arte por parte del público de la comarca.
Nuestro compañero de CAL, Mario Sánchez Moreno ha expuesto en La Almunia de Dª Godina, en el Palacio de San Juan, los día 31 de mayo hasta el 2 de junio. Los que no pudísteis ver la exposición y todo el que tenga curiosidad,teneis disponible la siguiente galeria web:
http://picasaweb.google.com/fjgarciadominguez/ExposicionMarioSanchezMoreno
Decía Aldoux Huxley, a propósito de Brueghel “El Viejo” que “todo pintor inventa una manera de pintar”, es decir, que el artista no imita la naturaleza mezquinamente si no que se entretiene observándola, yo diría que contrastándola con su yo mas profundo. En ello basa, sin duda, Regina Nogueras su universo artístico. Regina no es una simple observadora pasiva de todo aquello que le rodea. Con el poder que le confiere su mirada misteriosa, pero a la vez luminosa y receptiva, tiene la capacidad de captar cualquier detalle o acontecimiento que le ofrezca la naturaleza. Cuando nos muestra sus trabajos lo hace destacando que lo importante para ella es el momento de la captación, el climax receptivo - como si de una poesía se tratara- mas que la obra en sí y, desde esa premisa, aplicar una posterior maduración con su yo mas íntimo, mas personal, mas irremediablemente innato y único. Es como si la naturaleza le diera el guión de la obra y la artista lo interpretara a su manera, con sus aportaciones, sensaciones y deleites personales y plasmarlo, finalmente, en un dibujo, un lienzo, una fotografía. Espera quizá, que la obra, en última instancia, termine “realizando” al artista, pero partiendo de conceptos que a veces nos resultan, sin saberlo, subjetivos. Cuando un o una artista se enfrenta al vacío y frío lienzo, sin duda quiere reflejar algo en él, aunque la intención previa sea la de partir de cero, pues un recuerdo, una mirada, un olor, un sueño….en definitiva son sensaciones, experiencias vividas, que se nutren de ese misterioso deseo de plasmarlas artísticamente en un soporte. Y así, se nos ofrece la combinación de lo captado con la aportación mas personal y unívoca, fundidas en el crisol del mestizaje entre la naturaleza y la autora. Por ello salen, por ejemplo, tonos ocres, fundidos con amarillos y sombras con negros disimulados con sienas, bajo el pretexto de árboles como justificación figurativa para aplicar esos colores. Y así, el resultado es llamativo y a la vez armonioso, cuidando las formas, pero sin ataduras academicistas que contravengan su libertad personal y creativa.
Esta polivalente artista de 49 años es natural de Ricla y dibuja, pinta y fotografía “solamente por atracción” como dice ella. Viene profesionalmente del mundo de la restauración, dando clases como profesora en diferentes centros. Y nos ofrece con sinceridad, su aportación y sensibilidad para cualquier cosa que tenga que ver con el arte. Para ello, Regina Nogueras se nutre artísticamente de su entorno mas inmediato. Y su entorno es lo natural, lo cotidiano, lo que la rodea, su casa, sus cosas, o la naturaleza mas inmediata. Yo diría que el gusto por lo bello. Pero no una belleza exuberante o excéntrica, pues lo bello, la mayor de la veces es lo simple, lo accesible, lo natural o lo que a simple vista pueda parecer banal. Y lo engrandece con su aportación y su capacidad de captación. Regina vive lo artístico con un don natural : el de ir con sus chispeantes y despiertos ojos bien abiertos para lo que le resulta sugerente. Se deja atrapar por el detalle, por insignificante que sea y reflexionar sobre el para enriquecerlo y presentarlo al espectador con su aportación única e irrepetible. Pues todo ser humano es así: único e irrepetible. Si no lo fuera ¿que justificación tendría captar el movimiento de una mano con la cámara, la textura desenfocada de una copa de vino o elevar a la categoría de exquisitez algo aparentemente simple o cotidiano?. “Surge con total espontaneidad” nos asegura, pero lo cierto es que para que esa espontaneidad surja, es necesario tener esa cosa que se llama sensibilidad. Sin duda esta mujer que pertenece al Colectivo de Artistas de Valdejalón la tiene. Si algo que capta su mirada merece la pena, quedará recogido en su retina y pasará a formar parte de su genética creativa, bien para compartirla posteriormente con nosotros, o bien para dormir, en un rincón de su alma sensitiva, como sustancia íntima, personal y eterna. Tanto es así, que en su aspecto mas profesional, el de restauradora, no se limita a la simpleza de restaurar un objeto viejo, si no que va mas allá. Indaga en la esencia del objeto. Escruta con fantasía soñadora el espíritu del mismo y especula, con respeto y afecto en las diferentes sensaciones que ese objeto haya podido producir en las vidas de las gentes pretéritas a las que ha pertenecido. Lo que para cualquiera sería un objeto viejo, para Regina se convierte en un elemento casi de culto y así, con maestría, redescubrir la grandeza que ese objeto viejo tuvo antaño, como si de una una reencarnación de lo material se tratara, para presentarlo en nuestro tiempo real, con “manos de nieve” como diría Béquer, con ese aspecto recuperado, pero con la impronta sensitiva de la restauradora. Así es esta mujer que nos aporta y seguirá aportando artísticamente lo mejor de si misma. Sin engaños ni medias verdades. Con naturalidad y sin estridencias. Todo arte en el fondo, como dice Mario Dionisio, es materia organizada. Regina lo organiza con sutileza y personalidad.
Grayson Perry Tener un buen sentido del humor es imprescindible para poder comprender la obra de Grayson Perry (Chelmsford, Essex, 1960). Este autor británico lleva desde la década de los ochenta provocando y sorprendiendo al público – por ello estuvo seleccionado en la última muestra de Saatchi “New Labour” – con una crítica ácida e hilarante contra los convencionalismos de la sociedad inglesa, sus roles sexuales y de comportamiento. Para ello utiliza tres caminos: las fotografías y cortos de su alter-ego travestido, Claire, la porcelana y los bordados. Todos ellos son extraídos de la sensibilidad burguesa de su país para ser presentados con un nuevo filtro iconográfico que le otorga ese papel mordaz.
Perry estudió arte en la Portsmouth Polytechnic, en donde ya manifestó su interés por la cerámica debido a su baja consideración dentro de las bellas artes. Después se uniría al grupo Neo-Naturista londinense de los ochenta, al que le unió una misma atracción por la “anti-moda” más extravagante. La aplicación de este espíritu reivindicativo a la técnica cerámica será su gran descubrimiento, realizando su primera y exitosa exposición en 1985.
La originalidad de Grayson reside en esta transformación de un objeto tan popular en Inglaterra como son los jarrones de porcelana. Si bien pueden parecer sacados de un salón, su superficie está plagada de graffitis, zapatos de firma, figuras que deambulan saturadas de Prozac, pornografía barata y alusiones biográficas a su pubertad. Una imaginaría que se repite en los bordados que ha comenzado a realizar en los últimos años, en los que destacan los aviones y armamentos. Detalles que convierten estas lozas inocentes en un espacio para la crítica más ácida, o como él define en “confesiones maleducadas”.
La otra técnica de trasgresión de Perry se materializa en si mismo, en la presentación continua en fotos y videos de su personalidad femenina. Claire es “un ama de casa de la clase alta de Essex haciendo compras” o “un cruce entre Katie Boyle y Camilla Parker-Bowles”. El artista se presenta con vestido tradicionales bordados con sus polémicos dibujos, con trajes de fiesta, y en su sin fin de situaciones que ridiculizan la imagen más asentada de la mujer inglesa, con sombrero de flores para las grandes ocasiones y que pasa sus días gastando en las galerías comerciales y preparando té para sus amigas.
Cinismo, sátira, burla del entorno en que se crió, pero también una exorcización de sus traumas juveniles, que convierten a la obra de Greyson Perry en una de las más frescas y renovadoras propuestas de los últimos años. Este artículo está fusilado casi entero de:
http://www.masdearte.com/item_exposiciones.cfm?noticiaid=6420
http://www.artnet.com/artist/423818787/grayson-perry.htm
http://www.ceramicstoday.com/potw/grayson_perry.htm
http://www.contraindicaciones.net/2003/12/los_jarrones_de_grayson_perry.html
http://www.tate.org.uk/britain/turnerprize/2003/perry.htm
BASES CONCURSO FOTOGRAFIA “FOTOVIA”.
AYUNTAMIENTO DE LA MUELA-CENTRO DE NEGOCIOS CENTROVIA-
1.-OBJETIVO
El concurso “Fotovía” pretende ser una plataforma que permita mostrar y compartir las vivencias de los participantes. Nace como una convocatoria para escoger la mejor fotografía sin centrarse en una temática en concreto, sin más condición que la calidad.
2.- PARTICIPACIÓN
Debe atenerse a las siguientes condiciones:
Iª Edición Concurso Fotográfico “FOTOVIA”
- Nombre y apellidos.
- Fotocopia del DNI / Pasaporte.
- Dirección completa del autor y Teléfono/s de contacto.
- Breve Currículo de la trayectoria artística y profesional del autor (no es necesario ser profesional ni contar con trayectoria artística para participar)
- Lugar y fecha de la fotografía.
- Dirección de e-mail.
- Se puede incluir un texto explicativo relativo a la fotografía presentada.
3.-CALENDARIO
4.-CRITERIOS DEL JURADO
5.- PREMIOS
PRIMER PREMIO. 1000 €.-
SEGUNDO PREMIO. 200 €.-
FOTOGRAFÍA LOCAL. 100 €.-
6.- ACEPTACIÓN
La participación en el concurso supone la aceptación de todas y cada una de las bases del concurso y del fallo inapelable del jurado.
7.-COMPOSICIÓN DEL JURADO
PRESIDENTE: María Victoria Pinilla Bielsa .- Alcaldesa-Presidenta del Ayuntamiento de La Muela.
VOCALES: Miriam Fajardo.- Teniente Alcalde del Ayuntamiento de La Muela.
Juan Carlos Rodrigo Vela .- Concejal del Ayuntamiento de La Muela.
CONCEJAL DE CULTURA: Ana Cristina Mateo
SECRETARIA: Lorena Ledesma .- Secretaria de Alcaldía del Ayuntamiento de La Muela.
8.- ENTREGA DE PREMIOS
La entrega de premios se hará efectiva el día 14 de Junio de 2008 a las 12:30 horas en el Auditorio de la Casa de Cultura de La Muela sita en Plaza Don Vicente Tena de La Muela (Zaragoza).
El Centro de Negocios Centrovía se pondrá en contacto con los premiados para comunicarles el fallo del jurado y la fecha y horario la entrega de premios.
Para descargar las bases en la siguiente página : www.centrodenegocioscentrovia.com
BASES CONCURSO PINTURA “ARTEVIA”. AYUNTAMIENTO DE LA MUELA-CENTRO DE NEGOCIOS CENTROVIA- 1.-OBJETIVO El concurso “Artevía” pretende ser una plataforma que permita mostrar y compartir las vivencias de los participantes, éstos pueden ser de cualquier nacionalidad. 2.- PARTICIPACIÓN Debe atenerse a las siguientes condiciones: a. La técnica, estilo, formato, temática y materiales son a elección del participante. b. Edades participantes: No hay límite de edad para participar. c. El premio para artistas infantiles se otorgará a participantes desde 5 años a 12 años. d. Cantidad de obras: Cada participante puede participar con un una sola obra. Todas las obras han de ser entregadas dentro del periodo de convocatoria. Cada obra debe ir acompañada de un sobre de participación que no contenga firma ni nombre del participante. e. Originalidad: Las obras participantes serán originales e inéditas, entendiendo por tales aquellas que sean de su exclusiva propiedad, sin firma ni señal que delate la autoría de la misma. f. Medidas: mínimo 50 cm en cualquiera de sus lados y máximo 2 metros en cualquiera de sus lados. g. Cada obra debe ir rotulada en su reverso de forma visible, con el título de la misma, medidas, descripción de la obra y fecha en que se hizo, sin nombre, firma, ni señal que delate la autoría del mismo. h. En el exterior del sobre debe ponerse: Iª Edición Concurso Pintura “ARTEVIA” i. Dentro del sobre de participación ha de incluirse: - Nombre y apellidos del autor. - Fotocopia del DNI / Pasaporte. - Dirección completa del autor y Teléfono/s de contacto. - Dirección de e-mail. - Breve Currículo de la trayectoria artística y profesional del autor (no es necesario ser profesional ni contar con trayectoria artística para participar) - Fotografía en color de la obra rotulada en el reverso con el título de la misma, así como el nombre y apellidos del autor. - Se puede incluir un texto (descripción de la obra y poesía) relativo a la obra presentada. j. Cualquier participación que no cumpla las presentes bases será descartado automáticamente por el jurado. k. Los sobres de participación han de entregarse en Ayuntamiento de La Muela, en horario de 9:00 a 13:00 de Lunes a Viernes sito en Plaza Don Vicente Tena número uno del municipio de La Muela del 19 de Mayo al 23 de Mayo. l. Todas las obras participantes serán expuestas conjuntamente en la Sala Expositiva del Ayuntamiento de La Muela del 26 de Mayo al 1 de Junio de 2008. m. Las obras premiadas pasaran a formar parte del patrimonio artístico del Ayuntamiento de La Muela. n. Los autores de las obras no seleccionadas podrán recogerlas en el Ayuntamiento de La Muela del 16 de Junio al 22 de Junio de 2008. o. Posteriormente al concurso se ofrecerá a los autores de las obras, en su totalidad o a una selección de ellos, realizar una exposición conjunta en las Salas de Exposiciones pertenecientes al Ayuntamiento de La Muela, con total libertad para su distribución y orden de colocación. p. Al ganador del Primer premio se le ofrecerá la posibilidad de realizar una exposición individual en las Salas de Exposiciones pertenecientes al Ayuntamiento de La Muela en las fechas que se determinen de mutuo acuerdo. q. El Centro de Negocios Centrovía y el Ayuntamiento de La Muela no se hacen responsables de los posibles daños o defectos que pudiesen sufrir en algún caso las obras en su exposición o manipulación. r. El Centro de Negocios Centrovía garantiza el correcto tratamiento de los datos de acuerdo con la Ley Orgánica 15/1999 de Protección de Datos de Carácter Personal (LOPD). 3.-CALENDARIO a. El calendario de participación se abre el 19 de Mayo y termina el 23 de Mayo de 2008: en éstas fechas han de entregarse las obras en el Ayuntamiento de La Muela en horario de 9:00 a 11:00 horas. b. El fallo del jurado se hará público el 10 de Junio de 2008 en el tablón de anuncios del Centro de Negocios Centrovía, en la página web del Centro de Negocios Centrovía (www.centrodenegocioscentrovia.com), en el tablón de anuncios del Ayuntamiento de La Muela y en la página web del Ayuntamiento de La Muela (www.lamuela.es). c. Las fotografías de las obras premiadas serán publicadas en la página web del Centro de Negocios Centrovía y en la página web del Ayuntamiento de La Muela. d. Los participantes deberán esperar a la publicación del fallo del Jurado. 4.-CRITERIOS DEL JURADO a. Contenido y calidad de la obra: El jurado se reserva el derecho de descartar las obras que no reúnan un mínimo de requisitos de calidad o que pudiesen resultar ofensivas. b. Fácil identificación: el texto explicativo deberá permitir la fácil identificación y comprensión de la obra. c. Veracidad: El Centro de Negocios Centrovía se reserva el derecho de investigar la autenticidad de las obras y descartar las que sean sospechosas de copia, trucaje, manipulación o producto de situaciones amañadas. d. Premios: el Jurado podrá declarar desiertos los premios que considere oportunos. 5.- PREMIOS PRIMER PREMIO. 1000 €.- y Trofeo. SEGUNDO PREMIO. 200 €.- y Trofeo ARTISTAS INFANTILES. 100 €.- y un Juguete. (participantes de 5 a 12 años) 6.- ACEPTACIÓN La participación en el concurso supone la aceptación de todas y cada una de las bases del concurso y del fallo inapelable del jurado. 7.-COMPOSICIÓN DEL JURADO PRESIDENTE: María Victoria Pinilla Bielsa .- Alcaldesa-Presidenta del Ayuntamiento de La Muela. VOCALES: Miriam Fajardo.- Teniente Alcalde del Ayuntamiento de La Muela. Juan Carlos Rodrigo Vela .- Concejal del Ayuntamiento de La Muela. CONCEJAL DE CULTURA: Ana Cristina Mateo SECRETARIA: Lorena Ledesma .- Secretaria de Alcaldía del Ayuntamiento de La Muela. 8.- ENTREGA DE PREMIOS La entrega de premios se hará efectiva el día 14 de Junio de 2008 a las 12:30 horas en el Auditorio de la Casa de Cultura de La Muela sita en Plaza Don Vicente Tena de La Muela (Zaragoza). El Centro de Negocios Centrovía se pondrá en contacto con los premiados para comunicarles el fallo del jurado y la fecha y horario la entrega de premios. Para descargar bases desde la siguente página : www.centrodenegocioscentrovia.com