Mis Cuadros Favoritos: La Cena de Emaús

 

 Este portentoso cuadro de Caravaggio describe un emotivo pasaje evangélico. Dos de los discípulos de Cristo-que ya había resucitado-, conmovidos aún por su muerte, iban hacia el pueblo de Emaús cuando se les unió un extraño. En Emaús hicieron un alto en la posada y se sentaron a cenar. Cuando antes de empezar a comer el desconocido bendijo el pan, los discípulos lo reconocieron de inmediato. Tal es el momento dramático, que Caravaggio lo recoge en su obra, bajo cuyo aparente realismo laten ricos significados simbólicos.

 

El discípulo de Jesús (izda.): Este personaje es Cleofás, discípulo de Jesús mencionado en los evangelios(Lucas 24:18), que se retira de la silla estupefacto al comprovar la identidad de su señor. Su rostro adopta una cuidada expresión teatral de sorpresa.

Una invitación a la mesa: El primer plano de la mesa está vacío invitando al espectador a participar en el episodio.

Naturaleza muerta: Caravaggio fue un autentico maestro en pintar naturaleza muerta, tal y como se aprecia en este cuadro a través de los distintos elementos colocados sobre la mesa. La posición al límite de la mesa, del cesto de la fruta, es un osado ejemplo de escorzo. Las manzanas magulladas y los higos reventados aluden al pecado original. La granada simboliza el triunfo de cristo sobre el pecado original por medio de la resurrección.

El elemento exterior: El posadero permanece ajeno a la escena, por que no sabe quien es Cristo y desconoce la ceremonia de la bendición del pan. Representa a los desconocedores de la iglesia. Su tranquilidad contrasta con la excitación de los discípulos 

La bendición del pan: Cristo preside la mesa y levanta la mano derecha para bendecir el pan.  La figura de medio cuerpo tiene el rostro radiante, manera que fue novedosa y ciertamente criticada, en algunos círculos, de retratar a Cristo.

Mano y brazo en escorzo: Caravggio alcanzó fama por su maestría en el escorzo, que es la ilusión de que un objeto o un miembro se proyecta fuera del cuadro. Este cuadro contiene algunas muestras de esta técnica (obsérvese la mano izquierda del discípulo de la derecha).

El realismo de Caravggio: la energia pictórica de Caravaggio dimana de su habilidad para combinar realismo, distorsión y simbolismo en una imagen coherente. A primera vista parece retratar los acontecimientos tal y como puidieron ocurrir. Cristo, de 33 años, no está idealizado, y los discípulos, que parecen pescadores, reaccionan de forma creible ante lo que ven. Sin embargo, cunto más han estudiado los expertos su obra, más artificios distorsines y símbolos salen a la luz.

El autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571- 1610) Caravaggio tomó el nombre de su pueblo natal, cerca de Milán. Su estilo se desarrolló una vez establecido en Roma en el año 1592, donde tuvo que marchar tras repetidos escándalos. Estuvo inspirado por los maestros renacentistas Leonardo y Miguel Angel. Caravaggio es un heraldo del barroco que dominará todo el siglo XVII.

Alvaro Huerta . La fotografía como medio de expresión

 

      ¿Tiene importancia la materia en el arte plástico? ¿El óleo prevalece por encima del acrílico o de la acuarela? ¿ La escultura es mas expresiva que la pintura? ¿La fotografía desmerece la calificación de obra de arte o es arte en su más pura esencia? La respuesta a estas preguntas han sido y serán motivo de largas sesiones de debates y opiniones extremas

.

     De cualquier modo, todas ellas tienen la gran virtud de llamar la atención del público hacia la importancia de la materia en el lenguaje plástico. La peculiaridad de apartar del vicio de querer valorar una obra de arte, no solo en su contenido, si no también en su soporte y su técnica. Pero al final, lo importante es el resultado.

 

     Esta pequeña reflexión nos sirve de soporte para presentar a Alvaro Huerta, joven miembro del Colectivo de Artistas de Valdejalón, que a pesar de su juventud ha tocado ya varias técnicas de expresión. Sintió la necesidad de expresarse artísticamente desde muy joven, realizando varios cursos de pintura al óleo, algunos de la mano de Jesús Aznar,  para pasar posteriormente a estudiar los secretos de la escultura, el volumen y la fotografía analógica y como no, posteriormente la fotografía digital.

 

       Por eso cuando a Álvaro le preguntas que le tira mas, duda. Es un artista y punto. El soporte es secundario. El ahora se siente mas  fotógrafo. Pero de lo que no cabe duda, es que elija el soporte que elija, el resultado será excelente. Tiene una buena muestra de ello en la escultura, de la que le sedujo especialmente, como no, la piedra de Calatorao –el mármol de Aragón- o el alabastro, desde el que  dio vida a su “grito” particular.

 

     Pero el se siente mas fotógrafo. Que más da. Por que arte y fotografía son absolutamente complementarios. En cualquier caso, en la fotografía  la composición tiene muchas mas limitaciones, pues en ella  el motivo condiciona en mayor grado el resultado que en la pintura, por ejemplo, donde se parte de cero, como es el caso de  un lienzo en blanco.

 

     Como cualquier obra, la fotografía artística ha tenido antes un periodo de meditación y de análisis. Eso es lo que se detecta a primera vista en las fotografías de Álvaro. Los motivos están elegidos para que tengan la fuerza visual suficiente como para que al espectador no lo dejen indiferente. Los objetos o las personas de sus fotografías resultan decisivos en la composición. La cámara, a diferencia de nuestra vista, ve un solo plano y desde esa condición Álvaro Huerta consigue destacar la forma de un objeto o de un detalle parcial,  para que llame poderosamente nuestra atención, como sus tocadiscos de vinilo, artilugios sonoros arrasados por la vorágine de las nuevas tecnologías que parecen querer reivindicar, desesperadamente -en un todo o nada, en un blanco y negro- su lugar en un universo digital. O sus retratos, cortes parciales de rostros que miran a un infinito de melancolías, ante la atenta mirada de una lágrima petrificada.

 

      Sus fotos impactan, si, y planean sobre la fibra de la sensibilidad del observador. Da la sensación de que cuando este joven artista de La Almunia elige un objeto o un tema, lo mira desde  sus infinitos ángulos, para presentarnos su mejor cara, esa que carece de dimensión, la cara del espíritu.

 

     Por ello, quien comienza por las exigencias de la superficie, las leyes de la composición, etc. y no aprecia las posibilidades de las diferentes materias, se estará perdiendo la posibilidad de saborear excelentes mundos artísticos.

 

     El artista se juzga a si mismo. Se sirve de los materiales que cree necesarios para comunicar al receptor, un mensaje misterioso, que pasa a través de el  y nos lo presenta como una creación única e irrepetible. No exijamos más. Es imposible.

 

Colectivo de Artistas de Valdejalón

Vicente Guerrero. Del vidrio al dibujo

 

 

     A este veterano artista, el de más edad del Colectivo de Artistas de Valdejalón, el vidrio le llevó al dibujo, o el dibujo al vidrio. Que más da. Vicente nació en Barcelona hace 78 años. Nunca ha perdido la perspectiva de La Almunia, donde nacieron sus padres, y la que fue su ir y venir. Barcelona- La Almunia, La Almunia- Barcelona …Actualmente reside en la localidad del Jalón.

 

      En su vida laboral fue  tallador de vidrio. Ese delicado oficio, para el que se requiere una gran destreza, delicadeza y técnica, le reabrió el apetito hacia el mundo del dibujo mas en serio, adentrándose en el mismo con decisión. El resultado es el paisaje urbano, donde no se resisten catedrales, abadías, calles,  plazas o cualquier rincón donde su mirada es secuestrada, para plasmar sobre papel cualquier instantánea previa, con la finura y delicadeza de este tallador de vidrio experimentado y  sosegado por los años, pero  con la ilusión de un joven que necesita el papel y las plumillas para compartir con el espectador su buen hacer.

                      

     Se limita, según el a copiar lo que le gusta ¿Realmente Vicente copia lo que ve?  A estas alturas ya sabemos que el ser humano no copia. El hombre crea. Toda reproducción es tabú. El simple hecho de mirar es seleccionar, optar, apreciar, tomar partido y por tanto impregnar de tu experiencia, incluso de tu  genética, lo que estás viendo.

 

      Un cuadro no es jamás un producto individual, o mejor dicho, es la individualidad de lo colectivo. Es, digamos, el hilo que forma el tejido hecho con la rueca de la sensibilidad. Por ello Vicente Guerrero le da a sus dibujos la impregnación espontánea de su momento en la vida y de su paso por ella. Sus dibujos poseen, como cualquier obra, una fuerza de autonomía propia, un clima individual,  pero con la carga correspondiente de lo colectivo. El resultado es la “cristalización”, valga la metáfora, de las formas en el papel de destino. Y crea una nueva realidad. La realidad que existe al tomar una nueva forma, pasada a su vez  por el tamiz de toda una vida, de un oficio, de un entorno….  Y nacen sus paisajes urbanos intransitados de gente, donde cada línea de su plumilla está en el lugar exacto, para hacernos contemplar y compartir elementos perfectamente identificables, encuadrados en un blanco papel inmaculado.

 

     Hablamos con el y nos muestra sus dibujos como saboreándolos con el  regusto de cuando los hizo. Con el deleite de la satisfacción cumplida y  bien realizada. Nosotros los vemos con placer, intentando extraer  todo el jugo del mensaje implícito. Vicente cree que dibuja sin más. Pero no es así. Por que en sus dibujos nos trasmite un nuevo concepto, una nueva visión de lo creado, una nueva conciencia de lo colectivo.

 

     Sobre su tablero, entre pruebas y esbozos, se empieza a visualizar lo que será el dibujo de la  Plaza del Pilar de Zaragoza. Le dejamos con la ocupación, que no preocupación, de intentar resolver como hacer desaparecer un andamio que la naturaleza restauradora ha ramificado alrededor de una de las torres de la Basílica del Pilar. Seguro que el resultado será satisfactorio. Será una muestra más, sin duda bien realizada,  de lo que decíamos mas arriba: la individualización de lo colectivo.

     Colectivo de Artistas de Valdejalón

Arte y más: Jake y Dinos Chapman

Los hermanos Chapman pertenecen a la generación de los llamados YBAs-Young British Artists (Jóvenes Artistas Británicos), surgida a finales de los noventa en torno a la exposición Sensation y que incluyó a cuarenta y dos artistas británicos entre los que se hallaban Tracey Emin, Mona Hauton, Damien Hirst, Gary Hume, Sarah Lucas, Rachel Whiteread y Jane Simpson (quien expondrá en el CAC Málaga el próximo verano). Todos ellos muestran una actitud irreverente frente a una sociedad institucionalizada en la que se desenvuelven reivindicando un arte de lo depravado y lo grotesco, todo ello con un aire irónico y blasfemo que ataca los tabúes más enraizados para provocar una reflexión individual sobre el mundo.

La obra de Jake y Dinos Chapman, realizada en la mayoría de los casos de forma artesanal, es fr ecuentemente objeto de debate en el contexto artístico internacional. En un momento en el que las escenas de muerte, violencia, destrucción y sexo son más que habituales en portadas de periódicos, revistas y televisiones, los propios artistas se muestran rotundos: “si alguien se escandaliza con nuestra obra, o es un hipócrita o está enfermo”.

Hay tres temas que han predominado en el trabajo de estos artistas desde que comenzaran a trabajar juntos a principios de la pasada década: el consumismo y los tabúes sociales, la creación artística como proceso y la violencia a través de Francisco de Goya.

En todas estas obras, los Chapman se valen del humor, la ironía y la provocación para reflexionar sobre una sociedad de excesos y llena de tabúes, que parece escandalizarse ante representaciones de una realidad que siempre acaba superando a la ficción en horror y vergüenza.

Para conocer mejor la obra de los hermanos Chapman:

http://www.cacmalaga.org/exposiciones/2004/chapman.htm

http://www.whitecube.com/artists/chapman/ 

http://www.tate.org.uk/britain/turnerprize/2003/chapman.htmhttp://www.kunsthaus-bregenz.at/ehtml/ewelcome00.htm?aus_chapman.htm 

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/chapman/default.shtm

http://www.bbc.co.uk/dna/collective/A6206735

 

Mis cuadros favoritos. El Bar del Folies-Bergére

Esta famosa obra tiene como escenario el famoso Café- concierto Folies-Bergére, uno de aquellos lugares tan de moda de finales de siglo XIX, donde acudía todo tipo de gente a divertirse y sobre todo a observar y ser observado.

   La elaboración del cuadro es de una estructura aparentemente sencilla, en la que la vista y la ilusíón se mantienen de forma permanente. La figura central es la camarera Suzon, que aparece  como ensimismada, como ausente del gentío que le rodea. Sin embargo si se observa la zona de la derecha se ve lo que parece ser el reflejo de Suzan hablando con un cliente, Gastón Latouche, amigo del pintor. Algo que parece, a medida que se estudia mas detalladamente el cuadro, realmente sorprendente. El resultado le da a este cuadro un aspecto tan enigmático como las ensoñaciones de la propia camarera. Manet coloca incluso un acróbata para acentuar la sensación de ausencia de esta.  Es llamativo la vertical que se produce en el centro de la figura de Suzon recorriendo la cara y el vestido, para que cada uno de sus lados resulte la simetría del otro. La platea que se refleja en el espejo forma una horizontal que divide el cuadro en dos. La barra del bar define otra línea horizontal. Suzon y los detalles que hay en la barra, botellas flores, etc. actuan de elementos de unión entre las zonas del cuadro.

  Las bebidas son de lo mas variadas. Manet  ha querido simbolizar tanto a las clases populares como a las adineradas. El champán, bebida de la alta sociedad, contrasta con la cerveza inglesa marca "Bass -perfectamente identificable por su triangulo rojo en la etiqueta-. En la clientela de este café-concierto convivían los mas adinerados caballeros -como Manet- con los trabajadores y prostitutas en un ambiente de  alegre compañía. El autor aprovecha una de las etiquetas de las botellas para estampar su firma, concretamente la que está en el extremo izquierdo del cuadro.

  Otra cualidad que hay que destacar de Manet son sus negros. Es sabido que a este pintor le gustaba pintar grandes manchas de colores vivos y sensuales pero también sentía pasión por el negro (en claro contraste con los impresionistas de la época que lo eliminaron de sus paletas).

  Por pura lógica, el reflejo de Suzon no debería aparecer en la posición que lo hace. De hecho su postura no coincide con la de la muchacha de mirada ausente. la camarera que refleja Manet conversa con un hombre que se supone se coloca en el plano del espectador. La imagen solo cobra sentido en el plano poético. Quizá se trate de la conversación que la muchacha mantuvo unos instantes antes y sobre la que ahora reflexiona, o qiuzá de la desearía tener con un hombre que la retire de su monótona vida.

  El mundo retratado por Manet enesta pintura es el mismo que aparece en las novelas de Emile Zola, buen amigo de Manet que fué uno de los que llevaron su féretro, junto con otro gran pintor impresionista como Calude Monet

  El artista: Eduard Manet (1832- 1883) Manet nació en el seno de una familia de clase media- alta y en consecuencia no se vió obligado a vnder sus cuadros para ganarse la vida. Fué el centro del ámbito impresionista y gran amigo de Monet y Renoir. Durante toda su carrera fué rechazado como pintor por la Academia que sólo acepto al artista al final de sus días.

Ficha del cuadro: Eduard Manet: El Bar del Folies-Bergere; 1882; 96 X 130 cm.; óleo sobre lienzo; Courtauld institute Galleries, Londres.

M. Cuenca

Mis cuadros favoritos. Los fusilamientos del 3 de mayo.

  Este cuadro es de los más conmovedores en la historia de la pintura. Los franceses, después de que los madrileños se levantaran en armas contra el invasor, se vengaron con saña contra la población con la ejecución de ciento de personas. Goya no pudo registrar los hechos hasta seis años más tarde, cuando Felipe VII ocupó el trono.

  El cuadro tiene una trascendencia histórica y plasma a la perfección dos aspectos del arte de Goya: la capacidad de este para reflejar momentos poderosamente directos, y su sentido moral,  distante pero absolutamente crítico.

  En 1792 una enfermedad dejó a Goya completamente sordo. Esta carencia sensorial agudizó en el pintor de Fuendetodos su capacidad para comprender los gestos. La expresión de la víctima con los brazos en cruz es una arenga de la humanidad contra la violencia y la barbarie, tan actual, por desgracia, en nuestros días. El personaje de rodillas, con las manos en ademán de súplica, parece  indicar que se trata de un fraile. Su presencia recuerda la generalidad de la venganza, ya que muchos inocentes fueron fusilados junto con los insurrectos.

  El cadáver del primer término, en un charco de sangre, repite el gesto de la víctima crucificada. Las expresiones de terror resultan especialmente conmovedoras, el miedo se refleja en sus rostros aterrorizados.

  Observemos también la fuente de luz. La irradiación que produce la camisa blanca de la figura central, viene absorbida del farol de la derecha haciendo que este personaje sea el elemento lumínico más importante. Lógicamente los soldados disparan cerca por la escasez de luz, pero Goya situa a estos prácticamente con los cañones de los fusiles encima de las víctimas, lo que da a la escena un mayor dramatismo si cabe. 

  Tanto desde el punto de vista histórico como estético, Goya nos retrata al antihéroe, cuya muerte se convierte en un llamamiento para combatir la opresión. Los especialistas aseguran que este cuadro es el reverso de "El Juramento de Los Horacios"(1785) de Jacques Louis David, ya que retrata al antihéroe y no al guerrero, contrastando el estilo con el de David con una pintura suelta llena de ambiguedades y sutilezas. Debemos de observar también la postura de los soldados, Goya repite, a la inversa, la de los Horacios.

El autor. Francisco de Goya y Lucientes(1746-1828). Goya nació en Fuendetodos (Zaragoza), su carrera fue lenta y laboriosa,. No pudo ser pintor de cámara hasta los 43 años. Su influencia proviene de Velazquez. Durante la madurez adquiere una soltura y libertad únicas que lo convierten en el precursor del "impresionismo". La enfermedad que sufrió hizo aumentar su sensibilidad por el sufrimiento ajeno, y su obra alcanzó una profunda e incomparabre humanidad de difícil parangón en el arte. Francisco de Goya murió en Burdeos (Francia) y su obra, fecunda y versátil, de total libertad y soltura, no ha dejado de acrecentar la importancia de su figura hasta nuestros días.

M. Cuenca

 

 

Ezequiel Cruces

Ezequiel Cruces: escultor ceramista

La cerámica es una técnica que ha de estar controlada desde el principio hasta el final. El ceramista ha de aprovechar, en su justa medida, los pasos que  ha de andar hasta la conclusión de la obra. La expresividad  adquiere y se tiñe de un especial dramatismo cuando se  busca los elementos y las técnicas para conseguir los objetivos que se pretenden.

    

Ezequiel Cruces, este escultor ceramista de Calatorao, lo consigue sobradamente. Hablar con el sobre cerámica es hablar con quien ha aprendido el oficio y además esta tocado por ese misterioso influjo que se llama sensibilidad. En pocos minutos puede dar una clase magistral sobre el proceso del barro y como llegar a esto o lo otro. Esto es conocer la técnica. Pero también lo que entra en el horno, para ser cocido a unas temperaturas determinadas, su posición en el mismo, la aparición de más o menos cenizas, la intensidad del fuego, etc. etc. entrará con un moldeado muy reflexionado y meditado por Ezequiel.

 

Porque este escultor no es ajeno a lo que le rodea  y le gusta ir  rayando lo radical mas por encima que por debajo. Por que la sensibilidad también es inconformista, no tiene por que ser piadosa. Y Ezequiel nos lo muestra en su obra, con la mesura y el cuidado en la elaboración de sus piezas en las formas y su proceso en el horno,  pero con la dureza en el fondo del mensaje que nos quiere transmitir cuado es preciso. Y nos da toques de atención sobre lo que el quiere. No es monotemático. Modela lo que le apetece sobre lo que le apetece sin corsés ni ataduras. La ecología, el medio ambiente, la degradación de la naturaleza llevada por la estupidez del hombre, esta patente en su obra cuando nos muestra el “Pirineo Roto”. Y cuando nos presenta al ser humano, lo hace deformando su aspecto exterior para mostrarnos lo mas  controvertido y feo de su interior en “Personaje Extraño”. O modela el retrato de sus amigos, desde su visión de los mismos,  para someterlos al capricho del fuego en  “reducción”. Y si nos habla de  sus mundos, los interiores, los de Ezequiel, con sus miedos, sus alegrías, sus encuentros o desencuentros con la vida, como los de cualquier ser humano,  también los manifiesta como una granada que eclosiona en su madurez, para mostrarnos lo mas íntimo y personal, con maestría, sin tapujos, sin medias tintas. Sus luces sus sombras los del artista están en sus “candelabros” en tipo “viejo”, para enseñarnos que la  luz  también se torna en oscuridad y viceversa,  quizá como un ciclo sin fin. La luz es el camino hacia lo oculto para volver a una claridad, mas  nítida, mas intensa y mas sabia quizá.

 

Ezequiel Cruces viene con la impronta de haber aprendido el oficio en el “sancta santuorum” de la cerámica. Donde decir cerámica es decir Muel.  Iba y venía desde su pueblo, Calatorao, a conocer de la mano de los mejores ceramistas, los secretos de este difícil mundo del barro, para posteriormente sorprendernos con su obra y sus enseñanzas en los talleres que imparte.

 

Sus resultados están ahí, a la vista de todos. La sensibilidad no define al artista pero tal privilegio no es corriente o al menos no es corriente el tener la capacidad para transmitirla de manera concreta con formas que no son el simple sentimiento, si no el sentimiento y la sensibilidad maduradas por el artista. Ezequiel es sin duda uno de ellos.

 

CAL                                        Mayo 2007

Mis cuadros favoritos : El Nacimiento de Venus

Este famoso cuadro revolucionó en su día el mundo de la pintura al ser el primero que se presentaba a gran escala con un tema estrictamente mitológico. El Renacimiento se caracterizó, entre otras cosas, por la admiración del arte y la cultura grecorromana en el mundo florentino. Botticelli nos transporta a un entorno mágico para plasmar uno de los mas famosos mitos clásicos "El Nacimiento de Venus",  del que tanto se ha escrito, novelado y poetizado. Venus, en el centro, está flanqueada a su derecha por Céfiro (viento de Oeste) que sujeta a Cloris y por la Hora, a su izquierda.

La leyenda del nacimiento de Venus es una de las más importantes de la antiguedad. Urano (el cielo) y Gea (la tierra) se unieron para procrear a los primeros humanos (los titanes), pero uno de sus hijos Crono (el tiempo) o Saturno en la mitología romana, castró a su padre arrojádo los testículos al mar de donde surgió Venus, nombre romano de Afrodita, diosa del amor, de la belleza, de la risa y del matrimonio.

Simbología.-

El Rapto de Cloris. La ninfa Cloris fué raptada por Céfiro del jardín de las Hespérides, Céfiro se enamoró de su víctima, convirtiendose posteriormente en su mujer, por lo que pasó a ser Flora, señora perpetua de las flores.

El Viento del Oeste. Céfiro es el viento de Oeste, hijo de la Aurora y representa la suave brisa que lleva a Venus hasta la orilla. Se presenta en unión a Cloris (Flora), su consorte.

Las Rosas Sagradas de Venus. Según la mitología la rosa fué creada a la vez que Venus (Diosa del Amor). Con su aroma y belleza esta flor se convierte en el símbolo del amor y sus espinas el dolor que este puede llegar a producir.

La Hora. Esta elegante Ninfa se adelanta para recibir a Venus. representa a una de las cuatro estaciones, la Primavera, simbolo del ranacer. Una anémona florece a sus pies para indicarnos que la primavera ha llegado.

Venus. Según la leyenda, venus arrivó a pafos, en Chipre. Otras leyendas afirman qu eapareció en Citera frente a la costa sur de Grecia. Ambas enteban consagradas al culto de Venus. Representa el ideal de la belleza clásica tan admirado en el renacimiento. Su rostro tiene una expresión distante y ensimismada que tansmite una huida del mundo exterior. Su pose es púdica cubriendose el cuerpo con las manos y semeja la postura de una antigua estatua romana. Las formas de la figura, al igual que las del resto de los personajes del cuadro, destacan por la elaboración de  sus precisos perfiles y la finura en el resultado finas de manos y pies, largos y cuidados al máximo.

En la elaboración del cuadro destaca la sensación de planicidad del fondo, con la presentación, en primer plano de las figuras, consiguiendo un efecto de suspensión en el aire en relación a la profundidad que se prodduce.

El autor. Sandro Botticelli (1440-1510). Nació en Florencia, donde pasó toda su vida, salvo su ausencia entre 1481 y 1482 para trabajar en la Capilla Sixtina. Aunque semejante encargo prueba la reputación que alcanzó en vida, murió olvidado de todos y no recobró la fama hasta finales del siglo XIX.

M. Cuenca

Sobre lo que se puede considerar arte o no

festivaldelodio: He encontrado en la gueb un blog interesante. Los artículos, en general, son muy buenos y denunciantes de la realidad que vive el autor...pero algunos sobre arte no tienen desperdicio, como "pequeña encuesta", "ezte blo esuna ovra de hartE", "la eterna pregunta"...Creo que son para disfrutar.  Abajo está el enlace o acoplamiento.

Hasta pronto.

http://festivaldelodio.blogspot.com/2005_07_01_archive.html

Arte y más: Damien Hirst

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Damien Hirst (Bristol, 7 de junio de 1965) es un artista británico.

Biografia

Durante los años de la década de 1990 se constituyó en líder de los "Young British Artists" (o YBAs), Jóvenes Artistas Británicos, dominando el arte británico durante esa década y siendo ampliamente reconocido internacionalmente. Al comienzo de su carrera estuvo muy ligado al importante coleccionista Charles Saatchi, que fue muy responsable de su enorme y rápido éxito con una muy intencionada labor de marketing. Sin embargo en 2003 la relación se rompió completamente por importantes desavenencias entre ambos.

Obra

La muerte es el tema central en su obra, que siempre ha estado rodeada de gran polémica más o menos premeditada y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Su serie de obras más conocida es Natural History en la que distintos animales muertos como un tiburón, una oveja o una vaca son conservados y en ocasiones cortados dentro de tanques de formaldeído. Es también reconocido por sus "spin paintings", realizados sobre una superficie giratoria, y por sus "spot paintings", consistentes en círculos coloreados aleatoriamente.

Su trabajo más icónico y polémico The Physical Impossibility Of Death In the Mind Of Someone Living (Imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo), un enorme tiburón tigre en una vitrina llena de formaldeído, fue vendido en 2004 como la segunda obra más cara de un artista en vida (después de Jasper Johns), alrededor de 10 millones de dólares. Actualmente esa pieza, aún a pesar de su precio, está sufriendo un irreversible proceso de degradación, ya que el tiburón se está descomponiendo.

Wikipedia

• Obras de Damián Hirst (en inglés)

http://www.artchive.com/artchive/H/hirst.html

• Entrevista de Magali tercero en arteven.com

http://magalitercero.arteven.com/e/d_hirst.htm

¡Yo también lo haría!

     Cuando oímos la artamente conocida frase de "esto yo también lo haría" a la vez que se contempla una obra de arte, ese cómico "argumento" se clava como un estilete en el sentimiento de quien ve lo mismo, pero sin los límites de  la arrogancia. Cuando se ve la creación artística después de un proceso de maduración y de reflexión, el "yo también lo haría" simplemente desaparece del crítico cuyuntural al tiempo que va descubriendo su papel en el proceso.

     Si yo propusiera fabricar una rudimentaria banqueta para sentarnos, todos haríamos la nuestra. No tiene ningún misterio. Solo necesitaríamos un poco de tiempo y unos materiales básicos, maderas, clavos, martillo...pero ninguna sería igual. En todas y cada una de ellas estaría la impronta personal de su creador, aportando su riqueza que es la de todos y que también precisa de él,  para existir generacionalmente. Pero ¿quien diseñó el primer asiento? ¿quien pasó de poner sus posaderas en una piedra a ponerlas en el primer asiento fabricado por el hombre?. Seguro que hoy le hubieran otorgado el primer premio en el mas prestigioso certamen internacional de diseño.

     Por ello, cualquier creación, sea del tipo que sea, hay que mirarla mas alla de la mirada. Cuando esto se hace, cuando se entiende, al fin,  que para ver no basta mirar y seguir tu camino, se ven universos totalmente desconocidos antes del hecho de la puesta en común del artista con el receptor.  Esa persona comprende pues que nada es igual, aunque todo esté condicionado. No podemos escapar ni huir del hecho en sí. Al contemplar una obra, nos guste o no, estamos condicionados por ella para bien o para mal.

     Comprenderemos que es imposible copiar. Que aunque estamos condicionados por lo creado, la expresión es mutante como un virus que se transforma en cada ser humano en función de su "yo y circunstancias". Es sumergirse en la vorágine de lo colectivo con su aportación personal y exclusiva, con sus mundos, sus miedos, sus fustraciones, sus vivencias, sus "muertes y resurrecciones"de las diferentes "vidas" de su existencia.

     Solo despues de mucho mirar, uno se da cuenta que también es preciso ver. Así y solo así descubriremos la grandeza del enriquecimiento colectivo que es también el nuestro. Cuando veamos mas allá de una pincelada, de un color, de una textura, o de una banqueta de siete patas descubriremos que hemos comprendido y por lo tanto hemos actuado y tomado parte de esa reivindicación que el artista nos hace. Sin saberlo estamos sentando las bases de una revolución permanente.

Manuel Cuenca

 

¿Estamos por ahí?

 ¿Que tal estamos? ¿Fríos para el tiempo que hace?

La exposición de "lo del río" se quedó sin que algunos colegas tuvieran su obra a tiempo, aver si la acaban y otros se animan; porque en mi forma de ver las cosas se desperdicia el trabajo ya realizado que se vería reforzado. Podríamos reconvertir el nombre de la exposición en "lo del agua" (qué es parecido) y de cara al año que viene llevarla a algunos sitios (el que quiera). ¿Quedamos en ver lo que hay a primeros de septiembre? Que por cierto empieza el curso de escultura el primer sábado de ese mes.

A mí me da la sensación de que ésto está muy parado...Animo al personal a que participe, por ejemplo en el blog, y dé alguna sugerencia de funcionamiento o cosas que hacer.

A ver si empezamos a movernos en septiembre y en otoño, en vez de caer la hoja, sale la nuestra.

Que alguien diga algo...

FGD

Gregorio Villarig un pintor de altura

Gregorio Villarig a parte de un extraordinario pintor es un escalador de categoria.

En internet se encuentra un montón de información sobre este entrañable compañero, pero os invito a que, antes de buscar otras cosas, veais este video...

Gregorio Villarig en "la visera" (Riglos).

Arte y más: Gunther Von Hagens

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.

También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Gunther Von Hagens

Este anatomista alemán disecciona cadáveres humanos y de animales. Los somete a un tratamiento químico de su invención que se llama “plastinación” para que adquieran una consistencia determinada y hace montajes son ellos que pueden ir desde una especie de escultura hasta escenas con varios elementos.

Para abastecerse de cuerpos montó una “fábrica de momias” en China en la que preparan los cadáveres, algunos, procedentes de reos ajusticiados.

En la actualidad hay un competidor en lo concerniente a la exposición de cadáveres, la empresa Premier Exhibitions, creadora de Bodies: The Exhibition, actualmente abierta en Nueva York.

Para saber más:

• Gunther Von Hagens

http://es.wikipedia.org/wiki/Gunther_von_Hagens

• Plastinación

http://es.wikipedia.org/wiki/Plastinaci%C3%B3n

• “Body wolds”. Exposición con cuerpos plastinizados

http://www.koerperwelten.com/en.html

• La competencia, “Bodies: The exhibition” (con vídeos)

http://www.bodiestheexhibition.com/

Premios del III concurso de pintura rápida de Valdejalón

Lugar de celebración: Almonacid de la Sierra

Participantes: 45                  Para ver los cuadros
Ganadores:

1   1º premio (1.200 €) de la Comarca de Valdejalón                                                                  

Carlos Cardona Ardanuy de Monzón

2   1º premio (1.200 €) de Talleres tarema S.L.                                                                          

Javier Riaño Santiago de zaragoza

3   2º premio (600 €)    del Ayuntamiento de almonacid y Bodegas Martínez Gutierrez              

Juan Ramón Espax Doladé de Aitona (Lérida)

4   3º premio (400 €)    de CAL y la CAI                                                                                       

Manuel S. Guillén Villegas de Zaragoza

5   4º premio (300 €)    de Construcciones Hermanos Morales                                                    

Antonio Darías Martínez de Sabadell

6   4º premio (300 €)    de Restaurante los 20 platos “El Mesón”                                               

 Juan José Catalá Payson de Alpicat (Lérida)

7   4º premio (300 €)    de la Cooperativa Vinícola de Almonacid                                                 

Mª Carmen Remacha García de Calatayud

8   4º premio (300 €)    de CAJALON                                                                                             

Miguel Ángel Ferrandiz Revuelto de Madrid

Para ver los cuadros

un año mas

Un año mas el concurso de pintura rápida organizado por la comarca y muestro colectivo asido un total éxito,Cada año con mayor nivel, y más pintores que vienen a participar en el concurso.Este a año en Almonacid  de la Sierra, un pueblo que se brinda perfectamente con sus luces y sombras para que los artistas los puedan demostrar en sus obras, como así lo pudimos comprobar. Un saludo a todos 

Concha

EXPOSICIÓN DE JUAN CARLOS CALLEJA

Título: materia urbana 

Del 17 mayo al 15 junio - inauguracion dia 17 mayo a las 20h

horario: de lunes a viernes de 10h a 14.30h y 16.30h a 20.30h

Galeria de Arte Finestra Estudio

c/ zumalacarregui 12 - 50006 ZARAGOZA

tfno: 976 234 516

Feria de VALGA

La feria de VALGA, fue todo un exito. Sobre todo de publico. Hubiera sido de desear que hubiera habido mas obra (Pero otra vez sera) Espero veros a muchos el proximo Sabado en Almonacid de la Sierra. Ya sabeis que celebramos el III Concurso de Pintura Rapida de Valdejalón.Este empieza a las 8,30 Pero hemos quedado a las 8,15. Hasta pronto.

Arte y más: Mauricio Cattelan

ARTE Y MÁS: Con esta frase quiero encabezar una serie de artículos cuyo tema central es la obra y vida, a veces, de unos cuantos “personajes” o “artistas” que levantan la polémica a su paso, despertando admiración por un lado, rechazo, incluso repugnancia por otro.

No voy a profundizar sobre el tema, ni dar opiniones; en la red hay a montón. Aquí encontraremos unos apuntes y enlaces a sitios en los que cada visitante podrá nadar y bucear a su antojo y hasta donde tenga ganas.
También se pretende despertar la curiosidad, si es la primera vez que se oye hablar de algún artista.

Se admiten comentarios.

Nacido en Padova en 1960, vive en Nueva York y trabaja en Milán.
Esencialmente autodidacta, su obra bascula entre la escultura y el performance y tiene en el sentido del humor y la trasgresión de los símbolos establecidos sus principales armas de expresión.
El fin de Cattelan es provocar. Enfadarte, divertirte... da igual.
En su individual del MOMA de Nueva York, en 1998, hizo que un actor vestido de Picasso, provisto de una gran careta que caricaturizaba el rostro del pintor, saludara a los visitantes al puro estilo de Disney World; un modo de llamar la atención sobre la inercia mercantil y espectacular del arte contemporáneo. Otra de sus intervenciones sonadas tuvo lugar en 1999 en la galería Anthony d´Offay, donde instaló una réplica del monumento Mail Lin de Washington, en la que sustituyó los nombres de las víctimas de la guerra de Vietnam por las derrotas de la selección inglesa de fútbol; corrosiva broma sobre la gravedad con la que se trata el mundo del fútbol, sobre la proporción y la comparación, sobre las diferentes memorias nacionales.
En “la nona ora”, la escultura muestra a una roca que al caer del cielo, ha roto la ventana y ha golpeado al Papa Juan Pablo II que yace en el suelo sin poder levantarse. La polémica está servida.
Las obras más polémicas son los “niños ahorcados” como el que colgó en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla. Tres de estas esculturas, colgadas de un árbol en Milán, provocaron que un vecino enfurecido trepara al árbol a descolgarlas y acabara en el hospital por una caída…

• Más sobre cattelan y galería

http://www.destino-x.com/artman/publish/cattelan.shtml

FABIOLA GIL

Fabiola Gil Alares

PASION POR EL ARTE

Si miramos un cuadro de Fabiola Gil, lo primero que llamará nuestra atención es el color. Esta pintora conocedora de la técnica y de la teoría del color, lo emplea con fuerza en su obra que es fresca y atrevida, para mostrar a quien sea capaz de ver más allá, todo un mundo de sensaciones recubiertas de una consciente y muy estudiada engañosa sencillez. Fabiola se dirige directamente hacia los que quieren contemplar su obra con decisión pero no al azar. Desde la necesidad de crear y transmitir su visión de todo aquello que le rodea con conceptos e ideas meditados y engendrados en el soporte de su libreta de apuntes y sus rotuladores, esta pintora nos transporta, con una sensibilidad cultivada y formada, hacia la limpieza de sus óleos. En sus paisajes, donde solo cabe la visión de lo necesario, define lo más íntimo y personal visto desde las ventanas de los lugares donde vive o vivió y, por supuesto, desde la ventana de su espíritu, el cual tiene una excelente relación con su mano para pintar lo que realmente Fabiola quiere plasmar. Y en esos paisajes Zaragoza es verde y magenta en los amaneceres y atardeceres del horizonte que enmarca el rectángulo de sus particulares miradores. Y Bilbao y La Almunia de Doña Godina, su pueblo natal, cobran en esos paisajes la luz perdida en sus atardeceres con el reflejo de los recuerdos que en la artista dejaron a su paso por ellos. Y si pinta escapando de la visión del paisaje mas o menos lejano, lo hace para mostrar lo mas inmediato: “sus cosas”, sus mundos mas a mano, como su bolso, -donde el espectador se imagina infinitos submundos en su interior- “ el bolso que siempre esta ahí” que va con ella. O sus amigos, retratos de exquisita y estudiada síntesis, pero cargados de una elocuente y definida personalidad. Por que Fabiola que es una pintora joven pero con la madurez suficiente para ser consciente de que el arte puede producir muchas cosas, muchas sensaciones, nos encarrila por la vía del positivismo de la luz y del color, pero cuidando extraordinariamente las formas y conseguir con la frescura expectante de sus pinturas transportarnos a mundos donde no cabe lo negativo, lo oscuro o lo banal. No copia realidades, tampoco las sustituye. Crea una realidad nueva desde la realidad misma y nos la muestra sin tapujos ni medias verdades, llenándola de una nueva belleza pasada por el tamiz de su sensibilidad. Por que Fabiola como todo buen artista tiene sus claves para hacernos vibrar, para hacernos sentir algo diferente, algo no visto ni sentido hasta ese crítico momento de la puesta en común de cualquier artista.

Fabiola Gil es artista en su aspecto más global y por ello no solo es pintora, aunque en ese terreno se encuentra muy a gusto. Por que para ella, que viene del difícil mundo de la escultura, el arte es un concepto global. En ese terreno, también de vez en cuando nos deja su impronta y como muestra su creación de la escultura que se entrega todos los años en el Festival de Cine Florian Rey de La Almunia. Y restaura. Y da clases para el Patronato de Cultura “las clases y la restauración para mi son muy importantes, por que también se aprende enseñando y restaurando la huella que nuestros antepasados nos dejaron” me dice con ese brillo especial en sus ojos que refuerza sus palabras. Por que Fabiola habla incansablemente de arte como lo trabaja: con pasión.

CAL